1 nov. 2017

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Xenakis, I. - Nomos Alpha

Iannis Xenakis (1922-2001), uno de los exponentes de la música de finales de siglo XX más conocidos. Desarrolló la música estocástica, basada en la probabilidad, además de un sinfín de técnicas diferentes a la hora de componer. Todas ellas estaban basadas en las matemáticas, donde buscaba traducir las distintas ramas de estudio en nuevos sonidos y estructuras musicales.
En su libro Música formalizada: Razón y matemáticas en la música (1971), explora muchos de estos aspectos, presentando en la introducción unos axiomas clave que no necesariamente contradicen su enfoque... de hecho, más bien lo explican.
La idea de que al oír un tiroteo no se percibe cada disparo como un evento separado, pues se escucha el conjunto en sí de manera indivisible, la presenta como definición de estructura sonora. En obras como Rebonds B, con pasajes físicamente imposibles para el intérprete, parece que olvida esta idea, pero puede comprenderse como que el intento, siempre y cuando produzca un similar resultado sonoro, es suficiente.

Xenakis siempre criticaba la música occidental contemporánea, pues consideraba que el desarrollo metronómico de la polifonía dejaba de lado lo que hubiera sido la polifonía libre tradicional, de la época medieval e incluso durante la Edad Antigua. Esta percepción de incompletitud, compartida por muchos otros artistas y que se extendía a las demás artes, le llevó a desarrollar la música simbólica. Uno de los mejores ejemplos quizá sea Nomos Alpha.

Nomos Alpha (1965), para violoncello, está dividida en dos "capas". La primera está regida por la teoría de grupos, utilizando la simetría octaédrica como base. La rotación de un cubo determina la composición en sí, utilizando las permutaciones como elementos musicales.

Curiosidades
Cuando trató de estudiar con Arthur Honegger, este, sin demasiado entusiasmo, le rechazó tras comentar que "las quintas y octavas seguidas en una de sus obras no eran música". Es sorprendente pensar que, en algún lugar de la música tan experimental de este compositor, ¡hasta aparezca alguna quinta justa!
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8 ago. 2017

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Breves pinceladas sobre el Ars Subtilior

En la Edad Media, las corrientes musicales occidentales descubren la polifonía a partir del denominado organum, procedente de cantos monódicos gregorianos que muy lentamente comenzaron a incluir intervalos nuevos y no únicamente permitiendo el unísono.
Tras esas primeras excursiones a la combinación de notas, en su origen muy limitadas, se establecen guías para comprender la armonía y estructura de esa música. Se puede decir que se establece la polifonía en la música occidental. Evidentemente, la música sigue evolucionando y después de un tiempo, los teóricos Jeans des Murs y Philippe de Vitry analizaron los cambios en la creación musical de aquel tiempo, que ya eran muy notables. En sus libros, entienden que hay una nueva forma, a nivel europeo, de escribir música. Esto no es del todo cierto, claro, pues cada lugar tenía su estilo particular derivado de la tradición musical local. Pero tampoco están del todo equivocados, y de hecho su perspectiva es la que se sigue utilizando, grosso modo, para diferenciar el arte previo a aproximadamente 1300 del posterior. Llamaron ars antiqua a la manera previa de escribir la música, es decir, arte antiguo. A la nueva manera se la conoció como ars nova, conjunto de estilos en los que la polifonía se desarrolló rápidamente, dejando atrás la monodia definitivamente. Muchos de los madrigales, motetes y demás géneros que siguen apareciendo durante el Renacimiento llegan a un alto nivel de desarrollo teórico y musicológico ya por estos tiempos.

Pero bueno, ¿el ars subtilior es un periodo a parte o un estilo dentro del ars nova? Si ya pasamos del ars nova al Renacimiento, o pasando por la escuela de Borgoña... ¡poca cohesión se ve aquí! Pues es muy cierto. Se puede argumentar que había más diferencias estilísticas entre la escuela franco-flamenca y las distintas escuelas al sur de los Alpes que a nivel temporal. Es una mezcla de todo, como siempre, pero desde luego que ya a partir del Barroco uno no nota variaciones geográficas tan fuertes.

Sin esta situación no habría surgido el ars subtilior, un estilo -y periodo, al mismo tiempo- que nos debería dejar perplejos. Se desarrolla en un tiempo y una región determinados. Comienza a partir de 1360, aproximadamente, y la mayoría de musicólogos lo considera un nuevo estilo posterior al ars nova. Además, el ars subtilior se establece sobre todo en Aviñón y en los alrededores de París, donde la mayor parte de su desarrollo se concentra. También aparece por el Piamonte y otras zonas del norte de Italia, y probablemente por muchas partes del reino de Aragón.

Como podemos ver en esta última obra, Ma tre dol rossignol, sigue estando muy presente la firma pre-renacentista, pero es notable que, para ser música vocal, tenga polifonías tan interesantes.
La polifonía se comienza a usar de manera tan abundante y compleja que casi parece un guiño sarcástico al auge de esta. Este estilo, cuyo nombre irónicamente significa "arte más sutil" destaca por su recargado carácter, con polirritmias y polifonías contrapuntísticas que lo hacen parecer un anacronismo.
Entre los compositores más importantes, cabe destacar a Johannes Ciconia y a Matteo da Perugia. De este último dejamos aquí una obra, Andray Soulet, para poder observar la compleja polifonía modal de este periodo. Veamos:

El Codex Chantilly comprende una enorme colección de obras del Ars Subtilior. En él están recogidas, entre muchas otras, obras como esta pieza instrumental de Johannes Vayllant, Par maintes foys, con muy interesantes recursos musicales: este virelai emplea las flautas para imitar el canto de los pájaros.

En el norte de Italia también aparece una colección de obras similar: el Codex Faenza, que recoge las primeras obras escritas para instrumento de teclado que se conocen. Este códice contiene muchas obras del Trecento musical italiano, una corriente que hacia 1370 ya comienza a obtener muchas influencias del ars subtilior de Aviñón, sobre todo de la mano de autores como Francesco Landini. En la balada anónima que presentamos a continuación, para flauta, vihuela y arpa, se pueden encontrar rasgos del ars subtilior occitano.


Anexo: Más música del ars subtilior
Ciconia, J. Caçando un giorno
Ciconia, J. Una panthera, y aquí la versión instrumental del madrigal


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14 jul. 2017

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Estas son las 20 canciones más pegadizas de la historia

Científicos de la Universidad de Saint Andrews realizaron en septiembre de 2016 un estudio sobre las 20 canciones más pegadizas de la historia. Según revela el investigador Bede Williams al semanario musical de Reino Unido, New Musical Express, un hit necesita seguir la siguiente fórmula para que “se te pegue”:

Receptividad + (predictibilidad - sorpresa) + potencia melódica + (repetición rítmica) = tema pegadizo                            

Gusanos en el oído

Queen. / kentarotakizawa
Según estos criterios, se elaboró un ranking con las 20 canciones más pegadizas de la historia. Para ello, se basaron en los mecanismos neuronales que se ocultan en la percepción de la música. Los científicos llaman a este fenómeno "gusanos del oído", del alemán Ohrwurm, o simplemente el síndrome de la canción pegadiza. Según el músico y neurocientífico Daniel Levitin (p.98, 2011), “las canciones sencillas y los estribillos son más pegadizos que las composiciones musicales complejas”.

De acuerdo con el estudio, Queen lidera el ranking de canciones más pegadizas y sitúa "We will rock you" de Queen como la más recordable de la historia. La sigen "Bohemian rhapsody" y "We are the champions". 


Las 20 canciones más pegadizas de la historia

1. Queen – "We will rock you"


"We will rock you" de Queen se ha coronado como la más pegadiza de la historia de la música por un ritmo tan marcado. Es inevitable, para cualquiera que la escuche, seguir el tempo de la canción con palmadas o zapatazos.


2. Pharrell Williams – "Happy"


La reciente (o ya no tan reciente) canción de Pharrell, esa que invadió los programas de televisión de medio mundo, se sitúa en segunda posición. Quizás por inmóvil melodía en el estribillo o quizás por su ritmo tan "bailongo".


3. Queen – "We are the champions"


Porque ser sólo los primeros no era suficiente para Mercury. El célebre estribillo de esta canción se escucha allí donde sea que haya una victoria. La letra lo dice todo.


4. The Proclaimers – "I’m gonna be (500 Miles)"


Los escoceses toman la cuarta posición con su éxito ochentero "I'm gonna be" conocida por haber salido en la película"Amanecer en Edimburgo" y en la serie "How I met your mother".


5. The Village People – "YMCA"


Ni qué decir tiene del estribillo de esta canción: tan sólo cuatro notas, una por letra. ¿No es razón suficiente para no dejar de tararearla en la ducha?


6. Queen – ‘"Bohemian rhapsody"


Queen ataca de nuevo, con once minutos de pura rapsodia musical. Aunque carece de estribillo, la variedad y fantasía de sus partes hacen que no se te quite de la cabeza, lo que la convirtieron en la tercera canción más vendida de todos los tiempos.


7. Europe – "The final countdown"


Protagonista de películas, series y hasta de anuncios de televisión y de radio. Gracias a la potencia de su estribillo "The final countdown" se merece el puesto número siete como recuento final.


8. Bon Jovi – "Livin' on a prayer"


Estos melenas dieron en el clavo en los años 80 con una canción que de verdad recogía la esencia de su época. Un riff de guitarra inconfundible y un estribillo que dejó (y sigue dejando) los pelos de punta a más de uno.


9. James Pierpoint – "Jingle bells"


Este clásico navideño no pierde la fama. ¿Quién no ha tarareado esta melodía en Navidad? Pues eso.


10. Baha Men – "Who let the dogs out?"


Original y divertida es esta canción de Anslem Douglas que mezcla ritmos caribeños con un estribillo de hip-hop. La letra no tiene desperdicio: fácil, corta y divertida. Se merece el décimo puesto.


11. Psy – "Gangnam style"


Sólo tres palabras hicieron que esta canción fuese la más recordada y el vídeo de Youtube más visto de 2012. La coreografía también ayudó.


12. Rick Astley – "Never gonna give you up"


Uno de los memes más venerados de Internet. Sirvió como música dance a finales de los 80 y acabó siendo el guiño más visto de Youtube. Si buscas algo en la red y no lo encuentras, nunca te rindas, ahí estará Rick.


13. Journey – "Don’t stop believin"


Canción ochentera que recuperó ventas en 2008 con el auge de Spotify y la versión de la serie Glee. El estribillo tiene lo suyo y la voz del vocalista invita a hacerle los coros.


14. Mark Ronson – "Uptown funk"


A tempo de palmadas y ritmo funky despegó este hit del siglo XXI que nada tiene que envidiar a los clásicos. Una obra de arte muy pegadiza.


15. Taylor Swift – "Shake it off"


La cantante de country decidió alejarse un rato de su estilo para componer esta popular canción veraniega. La jugada le salió bien.


16. Michael Jackson – "Beat it"


No se olvidaron del Rey del Pop. Una de sus obras más escuchadas, "Beat it" se posiciona en el decimosexto lugar. Muchas personas no estarán de acuerdo con esto, pero bueno, just beat it.


17. Kaiser Chiefs – "Ruby"


El sencillo de los británicos Kaiser Chiefs triunfó en 2007. Una palabra como estribillo que se quedó grabada en las mentes de medio mundo.


18. The Rocky Horror Show – "The timewarp"


Los coros de esta canción de rock & roll se escucharon en muchos shows y películas, algo que facilitó que se pegara a los oídos de los espectadores.


19. Meghan Trainor – "All about the bass"


La estrofa de este sencillo hizo estallar los bajos de muchas discotecas. Recibió más críticas positivas que negativas y varios críticos la elogiaron por ser un tema realmente pegadizo, por lo menos para ser el penúltimo más pegadizo de la historia.


20. Culture Club – "Karma chameleon"


Los riffs y los coros de esta canción británica la hicieron destacar en su época. Aunque sea la última, el tartamudeo de su estribillo explicar perfectamente por qué entra dentro de las más pegadizas de la historia.



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29 jun. 2017

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Cómo ser más creativo al componer música

"Music". / vallgall

Componer música
es una las aptitudes que cualquier amante de la música desea conocer y dominar. En el ámbito musical, siempre ha corrido el falso rumor de que para ser un buen compositor hace falta saber mucho de música, aunque esto no es del todo cierto. Conocer los fundamentos de la composición y los diversos procesos compositivos te puede ayudar a no cometer fallos técnicos. Sin embargo, existe una condición muy importante a tener en cuenta a la hora de componer: ser creativo.

«Es imposible para los alumnos encontrar cómo componer sin estar inspirados». Schoenberg, 1994.

Según la RAE, la creatividad es la "facultad de crear", en nuestro caso, es la capacidad que tiene una persona para crear música. Al contrario de lo que piensa la gente, esto no se aprende con la teoría, sino que es una facultad imprescindible de cualquier compositor que se precie. Puedes tocar mil instrumentos y haber estudiado en los mejores conservatorios de Viena, pero lamento decirte que, si no eres creativo, estás perdido.

La creatividad lo es todo para componer música, y la motivación y la inspiración juegan un papel muy importante en este proceso. Una persona que sabe mucho pero que no crea, es como si no supiese nada. No puede demostrar nada. Componer música, así como crear arte, conlleva un gran esfuerzo intelectual. La parte derecha del cerebro en la que guarda la condición creativa de cada persona. El neurocientífico y músico profesional, Jordi Jauset, explica que el hemisferio derecho "es el cerebro del espacio, de la música, de la intuición y de la creatividad”. Esta zona es la encargada de procesar la comprensión de la melodía, la percepción del timbre y los contenidos emocionales del lenguaje musical.

Pero dejemos a un lado la neurociencia. En esta entrada explicaré cómo ser más creativo al componer música mediante diez consejos y ejemplos que os ayudarán a desenvolveros cada vez más en la creación del cuarto arte.

1. Cuida tus oídos

Parece una tontería, pero sufrir algún defecto en los oídos puede afectar de forma negativa a la creatividad de tus composiciones. Enfermedades como los acúfenos o un simple tapón de cera en el oído pueden dificultar la escuchar de los sonidos más discretos de una pieza musical. Por otro lado, existen compositores que sacaron partido de sus problemas auditivos. Seguro que conces al más famoso de todos. En efecto. Beethoven padeció sordera desde los 20 años, y a partir de los 26 empeoró tanto que tuvo que utilizar audífonos. Pero esto no supuso una barrera para su creatividad, todo lo contrario. Se valió de su problema para componer sus últimas sonatas antes de morir que fueron, por cierto, más interesantes y avanzadas para su época. Aquí su última sonata:


2. Estudia algo de composición, pero no te encierres en su reglas

Abrir algún libro de fundamentos de composición de vez en cuando para aclarar dudas no viene mal. Por otro lado, atrincherarse demasiado en las normas clásicas no es muy recomendable a la hora de dar rienda suelta a tu creatividad. El profesor e informático René Victor de la Universidad Técnica de Dinamarca explica que "los bloqueos intelectuales son producto del conservadurismo y la falta de disposición para utilizar enfoques nuevos". Esto quiere decir que las personas que se encierran en unas normas teóricas son reacias a los cambios y, por lo tanto, menos creativas. Hablando de normas establecidas, seguro que no has pensado en usar una guitarra como si fuera una caja de efectos de sonido, como hace Jon Gomm:


3. Busca ideas en tu entorno

Cualquier cosa puede inspirar tu creatividad. El compositor y teórico musical, Arnold Schoenberg, decía que "un poema, una historia, una obra de teatro o una película pueden estimular la expresión de ideas musicales". Pero no nos vayamos muy lejos. Te puedo asegurar que las calles por las que caminas todos los días son una inmensa fuente de ideas que pueden despertar tu creatividad. Que se lo digan a Jarbas Agnelli, el compositor brasileño que una mañana, mientras leía el periódico, vio una fotografía de unos pájaros sobre un cableado eléctrico. Seguidamente, recortó la fotografía y se inspiró en ella para componer una canción utilizando las posiciones exactas de los pájaros como si fuesen notas musicales. Agnelli tenía curiosidad por escuchar la melodía que los pájaros habían creado y ahora también puedes escucharla tú:



4. No tengas miedo a innovar

El pintor español, Pablo Picasso, decía que "el principal enemigo de la creatividad es el buen gusto". Vivimos en unos días en los que la cultura popular ha construido unos patrones que se inclinan más hacia "lo que suena bien" y esta barrera es casi infranqueable para la mayoría de los artistas. Según la Revista Iberoamericana de Educación, "la creatividad es la habilidad para hacer algo nuevo, diferente y útil". Esa diferencia es la que marca a alguien creativo de alguien del montón.



5. Reinventa la música

Versionear o arreglar música que ya existe es un indicio de creatividad. En su libro "El cerebro musical", Diego Alonso Cánovas, explica que "el proceso creativo implica la invención de nuevas melodías o la recreación de las ya conocidas". Asimismo, el compositor de bandas sonoras, John Powell, explica en su libro, "Así es la música", que uno de los recursos compositivos más creativos es el de interpretar una melodía ya compuesta con una armonía distinta. Esta técnica se puede escuchar en la versión de la conocida canción "Imagine" de John Lennon que hizo la banda de rock "A Perfect Circle":


6. Aporta un nuevo significado a la música

Vivir en un mundo hermético en el que "lo que siempre ha sido, sigue siendo" es un error fatal. La sociedad está en constante evolución, y con ella, el significado que le da a su entorno. La música tampoco se escapa. Arnold Schoenberg (1994) asegura que "el tiempo no sólo ha producido un desarrollo de los medios técnicos y ampliado el concepto de tema y melodía en las mentes creativas; también ha cambiado nuestra comprensión de la música escrita en las épocas precedentes". Este nuevo significado de la música ya no viene determinado por su contenido, como bien explica el músico y psicólogo Leonard Meyer (1956), "sino que el significado decae con la cultura y se le asigna otro". De esta manera, hoy podemos ver anuncios de hamburguesas en los que se utiliza una música que, en un tiempo, sirvió para amenizar funerales:


7. Expresa tus emociones, pero no dejes que te dominen

Una de las cualidades del arte es la de expresar emociones y sentimientos. Cuando compones música, intentas que el que la escuche sienta lo mismo que has sentido tú. Para ello, te vales de una serie de técnicas de composición que más se acercan a su expresión. No obstante, un error muy común es el de ponerse a crear cuando uno está pasando por una mala época.

Emocionarse excesivamente limita nuestra libertad para investigar y manipular ideas. En un contexto social, cuando alguien está pasando por una depresión, apenas puede entablar comunicación con otras personas. Esta barrera también se da en la música, dificultando así que puedas expresar lo que sientes de una forma ordenada y razonable. Recuerda que el compositor es el que lo expresa y el oyente es el que lo siente, aunque haya veces que lo sienta demasiado...



8. Haz una lista de tus ideas y selecciona las mejores

Una vez tengas en mente todas tus ideas, haz una lista con ellas. Esta técnica se conoce como brainstorming (algo así como "tormenta de ideas") y consiste en generar ideas creativas sin rechazarlas a la primera por miedo o por olvido. Cuanto menos se asocie una idea a un fracaso, más creativa resultará. La flexibilidad y hacerse preguntas atrevidas como "¿Hacer música con palos de helado?" o "¿Mezclar ruidos de un baño público con instrumentos de cuerda frotada?" suelen dar resultado.



9. Entrena tu creatividad con la improvisación

A veces, la mejor manera de crear algo es experimentar por ti mismo. Gran parte de los conocimientos que adquiere un bebé se deben a la experiencia que tienen con el mundo que les rodea: tocan, huelen y se meten en la boca todo aquello que encuentran. En música, esta libertad de aprendizaje apenas se da cuando sigues una partitura a rajatabla. El secreto para desenvolver la creatividad es el de interpretar la música como si se estuviese entablando una conversación de forma natural. Según el profesor de música, Kofi Agawu (2006), la improvisación o la composición en el momento presuponen una competencia en el hablar de un lenguaje musical". Cuando improvisamos música, nuestros sentidos se agudizan porque las notas que interpretamos no vienen predefinidas por un papel, sino que todo lo que se escucha sale de nuestra cabeza. Esa es uno de las ejemplos más claros de creatividad musical, como bien se representa en el siguiente vídeo:


10. Más hace el que quiere que el que puede

Una obra musical no está terminada hasta que su compositor no quede totalmente satisfecho con ella. Pero no desesperes. Trabajar duro es la clave. Lo que marca la diferencia entre tú y cualquier otra persona con más recursos o suscriptores en las redes sociales es que tú te lo curras, y te lo curras mucho. Que tu trabajo no se haya valorado (aún) no significa que no sea bueno. Esto es así. Vivimos en una era en la que el número de likes y de followers determina quién es más visible en la red, pero no quién es más creativo. Sigue trabajando y verás que, en un futuro no muy lejano, tu creatividad habrá dado sus frutos. :)
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28 jun. 2017

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El Castillo de Lorca se llena de música este verano

Lorca celebra sus fiestas locales en un edificio histórico que acogerá actuaciones de artistas nacionales como Loquillo, Miguel Poveda, Chambao, Muchachito Bombo Infierno y Los Secretos

Castillo de Lorca (Región de Murcia). / CC

El verano viene acompañado de fiestas y conciertos que sólo ocurren en esta época del año. Sin embargo, son pocos los espectáculos que tienen lugar en espacios tan insólitos como una fortaleza de origen medieval. Este año, las fiestas de Lorca se se ubicarán en un enclave único de la Región de Murcia: el castillo de Lorca.

En esta iniciativa llamada Sonidos Fortaleza, pasarán durante el mes de julio algunos de los nombres más destacados y conocidos de la música española: Los Secretos, Loquillo, Chambao, Miguel Poveda y Muchachito Bombo Infierno. Además, estos conciertos de verano en Murcia contarán también con artistas locales como Los Marañones y Joaquín Talismán. Todas las entradas están a la venta en el portal de venta de entradas murciano y sus más de 40 puntos físicos repartidos por toda la provincia.

Sonidos Fortaleza forma parte del festival Tendencias Summer Fest, una iniciativa cultural que se pondrá en marcha a lo largo del verano para dinamizar el ocio estival en Lorca. Ofrecerá noches de música de distintos estilos apostando en todo momento por la calidad de sus protagonistas y un escenario único como es la fortaleza medieval. Se trata de uno de los castillos más grandes de España, construido entre los siglos IX y XV, catalogado como Bien de Interés Cultural. Durante el reinado de Alfonso X, fue un punto estratégico durante la Reconquista puesto que servía de frontera entre el reino cristiano de Murcia y el musulmán de Granada.

Para facilitar los accesos se pondrá en marcha un servicio gratuito de autobuses que conectarán La Merced con los accesos al propio Castillo de 20.30 horas a 23.00 horas, hora en la que darán comienzo los conciertos.
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