14 jul. 2017

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Estas son las 20 canciones más pegadizas de la historia

Científicos de la Universidad de Saint Andrews realizaron en septiembre de 2016 un estudio sobre las 20 canciones más pegadizas de la historia. Según revela el investigador Bede Williams al semanario musical de Reino Unido, New Musical Express, un hit necesita seguir la siguiente fórmula para que “se te pegue”:

Receptividad + (predictibilidad - sorpresa) + potencia melódica + (repetición rítmica) = tema pegadizo                            

Gusanos en el oído

Queen. / kentarotakizawa
Según estos criterios, se elaboró un ranking con las 20 canciones más pegadizas de la historia. Para ello, se basaron en los mecanismos neuronales que se ocultan en la percepción de la música. Los científicos llaman a este fenómeno "gusanos del oído", del alemán Ohrwurm, o simplemente el síndrome de la canción pegadiza. Según el músico y neurocientífico Daniel Levitin (p.98, 2011), “las canciones sencillas y los estribillos son más pegadizos que las composiciones musicales complejas”.

De acuerdo con el estudio, Queen lidera el ranking de canciones más pegadizas y sitúa "We will rock you" de Queen como la más recordable de la historia. La sigen "Bohemian rhapsody" y "We are the champions". 


Las 20 canciones más pegadizas de la historia

1. Queen – "We will rock you"


"We will rock you" de Queen se ha coronado como la más pegadiza de la historia de la música por un ritmo tan marcado. Es inevitable, para cualquiera que la escuche, seguir el tempo de la canción con palmadas o zapatazos.


2. Pharrell Williams – "Happy"


La reciente (o ya no tan reciente) canción de Pharrell, esa que invadió los programas de televisión de medio mundo, se sitúa en segunda posición. Quizás por inmóvil melodía en el estribillo o quizás por su ritmo tan "bailongo".


3. Queen – "We are the champions"


Porque ser sólo los primeros no era suficiente para Mercury. El célebre estribillo de esta canción se escucha allí donde sea que haya una victoria. La letra lo dice todo.


4. The Proclaimers – "I’m gonna be (500 Miles)"


Los escoceses toman la cuarta posición con su éxito ochentero "I'm gonna be" conocida por haber salido en la película"Amanecer en Edimburgo" y en la serie "How I met your mother".


5. The Village People – "YMCA"


Ni qué decir tiene del estribillo de esta canción: tan sólo cuatro notas, una por letra. ¿No es razón suficiente para no dejar de tararearla en la ducha?


6. Queen – ‘"Bohemian rhapsody"


Queen ataca de nuevo, con once minutos de pura rapsodia musical. Aunque carece de estribillo, la variedad y fantasía de sus partes hacen que no se te quite de la cabeza, lo que la convirtieron en la tercera canción más vendida de todos los tiempos.


7. Europe – "The final countdown"


Protagonista de películas, series y hasta de anuncios de televisión y de radio. Gracias a la potencia de su estribillo "The final countdown" se merece el puesto número siete como recuento final.


8. Bon Jovi – "Livin' on a prayer"


Estos melenas dieron en el clavo en los años 80 con una canción que de verdad recogía la esencia de su época. Un riff de guitarra inconfundible y un estribillo que dejó (y sigue dejando) los pelos de punta a más de uno.


9. James Pierpoint – "Jingle bells"


Este clásico navideño no pierde la fama. ¿Quién no ha tarareado esta melodía en Navidad? Pues eso.


10. Baha Men – "Who let the dogs out?"


Original y divertida es esta canción de Anslem Douglas que mezcla ritmos caribeños con un estribillo de hip-hop. La letra no tiene desperdicio: fácil, corta y divertida. Se merece el décimo puesto.


11. Psy – "Gangnam style"


Sólo tres palabras hicieron que esta canción fuese la más recordada y el vídeo de Youtube más visto de 2012. La coreografía también ayudó.


12. Rick Astley – "Never gonna give you up"


Uno de los memes más venerados de Internet. Sirvió como música dance a finales de los 80 y acabó siendo el guiño más visto de Youtube. Si buscas algo en la red y no lo encuentras, nunca te rindas, ahí estará Rick.


13. Journey – "Don’t stop believin"


Canción ochentera que recuperó ventas en 2008 con el auge de Spotify y la versión de la serie Glee. El estribillo tiene lo suyo y la voz del vocalista invita a hacerle los coros.


14. Mark Ronson – "Uptown funk"


A tempo de palmadas y ritmo funky despegó este hit del siglo XXI que nada tiene que envidiar a los clásicos. Una obra de arte muy pegadiza.


15. Taylor Swift – "Shake it off"


La cantante de country decidió alejarse un rato de su estilo para componer esta popular canción veraniega. La jugada le salió bien.


16. Michael Jackson – "Beat it"


No se olvidaron del Rey del Pop. Una de sus obras más escuchadas, "Beat it" se posiciona en el decimosexto lugar. Muchas personas no estarán de acuerdo con esto, pero bueno, just beat it.


17. Kaiser Chiefs – "Ruby"


El sencillo de los británicos Kaiser Chiefs triunfó en 2007. Una palabra como estribillo que se quedó grabada en las mentes de medio mundo.


18. The Rocky Horror Show – "The timewarp"


Los coros de esta canción de rock & roll se escucharon en muchos shows y películas, algo que facilitó que se pegara a los oídos de los espectadores.


19. Meghan Trainor – "All about the bass"


La estrofa de este sencillo hizo estallar los bajos de muchas discotecas. Recibió más críticas positivas que negativas y varios críticos la elogiaron por ser un tema realmente pegadizo, por lo menos para ser el penúltimo más pegadizo de la historia.


20. Culture Club – "Karma chameleon"


Los riffs y los coros de esta canción británica la hicieron destacar en su época. Aunque sea la última, el tartamudeo de su estribillo explicar perfectamente por qué entra dentro de las más pegadizas de la historia.



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29 jun. 2017

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Cómo ser más creativo al componer música

"Music". / vallgall

Componer música
es una las aptitudes que cualquier amante de la música desea conocer y dominar. En el ámbito musical, siempre ha corrido el falso rumor de que para ser un buen compositor hace falta saber mucho de música, aunque esto no es del todo cierto. Conocer los fundamentos de la composición y los diversos procesos compositivos te puede ayudar a no cometer fallos técnicos. Sin embargo, existe una condición muy importante a tener en cuenta a la hora de componer: ser creativo.

«Es imposible para los alumnos encontrar cómo componer sin estar inspirados». Schoenberg, 1994.

Según la RAE, la creatividad es la "facultad de crear", en nuestro caso, es la capacidad que tiene una persona para crear música. Al contrario de lo que piensa la gente, esto no se aprende con la teoría, sino que es una facultad imprescindible de cualquier compositor que se precie. Puedes tocar mil instrumentos y haber estudiado en los mejores conservatorios de Viena, pero lamento decirte que, si no eres creativo, estás perdido.

La creatividad lo es todo para componer música, y la motivación y la inspiración juegan un papel muy importante en este proceso. Una persona que sabe mucho pero que no crea, es como si no supiese nada. No puede demostrar nada. Componer música, así como crear arte, conlleva un gran esfuerzo intelectual. La parte derecha del cerebro en la que guarda la condición creativa de cada persona. El neurocientífico y músico profesional, Jordi Jauset, explica que el hemisferio derecho "es el cerebro del espacio, de la música, de la intuición y de la creatividad”. Esta zona es la encargada de procesar la comprensión de la melodía, la percepción del timbre y los contenidos emocionales del lenguaje musical.

Pero dejemos a un lado la neurociencia. En esta entrada explicaré cómo ser más creativo al componer música mediante diez consejos y ejemplos que os ayudarán a desenvolveros cada vez más en la creación del cuarto arte.

1. Cuida tus oídos

Parece una tontería, pero sufrir algún defecto en los oídos puede afectar de forma negativa a la creatividad de tus composiciones. Enfermedades como los acúfenos o un simple tapón de cera en el oído pueden dificultar la escuchar de los sonidos más discretos de una pieza musical. Por otro lado, existen compositores que sacaron partido de sus problemas auditivos. Seguro que conces al más famoso de todos. En efecto. Beethoven padeció sordera desde los 20 años, y a partir de los 26 empeoró tanto que tuvo que utilizar audífonos. Pero esto no supuso una barrera para su creatividad, todo lo contrario. Se valió de su problema para componer sus últimas sonatas antes de morir que fueron, por cierto, más interesantes y avanzadas para su época. Aquí su última sonata:


2. Estudia algo de composición, pero no te encierres en su reglas

Abrir algún libro de fundamentos de composición de vez en cuando para aclarar dudas no viene mal. Por otro lado, atrincherarse demasiado en las normas clásicas no es muy recomendable a la hora de dar rienda suelta a tu creatividad. El profesor e informático René Victor de la Universidad Técnica de Dinamarca explica que "los bloqueos intelectuales son producto del conservadurismo y la falta de disposición para utilizar enfoques nuevos". Esto quiere decir que las personas que se encierran en unas normas teóricas son reacias a los cambios y, por lo tanto, menos creativas. Hablando de normas establecidas, seguro que no has pensado en usar una guitarra como si fuera una caja de efectos de sonido, como hace Jon Gomm:


3. Busca ideas en tu entorno

Cualquier cosa puede inspirar tu creatividad. El compositor y teórico musical, Arnold Schoenberg, decía que "un poema, una historia, una obra de teatro o una película pueden estimular la expresión de ideas musicales". Pero no nos vayamos muy lejos. Te puedo asegurar que las calles por las que caminas todos los días son una inmensa fuente de ideas que pueden despertar tu creatividad. Que se lo digan a Jarbas Agnelli, el compositor brasileño que una mañana, mientras leía el periódico, vio una fotografía de unos pájaros sobre un cableado eléctrico. Seguidamente, recortó la fotografía y se inspiró en ella para componer una canción utilizando las posiciones exactas de los pájaros como si fuesen notas musicales. Agnelli tenía curiosidad por escuchar la melodía que los pájaros habían creado y ahora también puedes escucharla tú:



4. No tengas miedo a innovar

El pintor español, Pablo Picasso, decía que "el principal enemigo de la creatividad es el buen gusto". Vivimos en unos días en los que la cultura popular ha construido unos patrones que se inclinan más hacia "lo que suena bien" y esta barrera es casi infranqueable para la mayoría de los artistas. Según la Revista Iberoamericana de Educación, "la creatividad es la habilidad para hacer algo nuevo, diferente y útil". Esa diferencia es la que marca a alguien creativo de alguien del montón.



5. Reinventa la música

Versionear o arreglar música que ya existe es un indicio de creatividad. En su libro "El cerebro musical", Diego Alonso Cánovas, explica que "el proceso creativo implica la invención de nuevas melodías o la recreación de las ya conocidas". Asimismo, el compositor de bandas sonoras, John Powell, explica en su libro, "Así es la música", que uno de los recursos compositivos más creativos es el de interpretar una melodía ya compuesta con una armonía distinta. Esta técnica se puede escuchar en la versión de la conocida canción "Imagine" de John Lennon que hizo la banda de rock "A Perfect Circle":


6. Aporta un nuevo significado a la música

Vivir en un mundo hermético en el que "lo que siempre ha sido, sigue siendo" es un error fatal. La sociedad está en constante evolución, y con ella, el significado que le da a su entorno. La música tampoco se escapa. Arnold Schoenberg (1994) asegura que "el tiempo no sólo ha producido un desarrollo de los medios técnicos y ampliado el concepto de tema y melodía en las mentes creativas; también ha cambiado nuestra comprensión de la música escrita en las épocas precedentes". Este nuevo significado de la música ya no viene determinado por su contenido, como bien explica el músico y psicólogo Leonard Meyer (1956), "sino que el significado decae con la cultura y se le asigna otro". De esta manera, hoy podemos ver anuncios de hamburguesas en los que se utiliza una música que, en un tiempo, sirvió para amenizar funerales:


7. Expresa tus emociones, pero no dejes que te dominen

Una de las cualidades del arte es la de expresar emociones y sentimientos. Cuando compones música, intentas que el que la escuche sienta lo mismo que has sentido tú. Para ello, te vales de una serie de técnicas de composición que más se acercan a su expresión. No obstante, un error muy común es el de ponerse a crear cuando uno está pasando por una mala época.

Emocionarse excesivamente limita nuestra libertad para investigar y manipular ideas. En un contexto social, cuando alguien está pasando por una depresión, apenas puede entablar comunicación con otras personas. Esta barrera también se da en la música, dificultando así que puedas expresar lo que sientes de una forma ordenada y razonable. Recuerda que el compositor es el que lo expresa y el oyente es el que lo siente, aunque haya veces que lo sienta demasiado...



8. Haz una lista de tus ideas y selecciona las mejores

Una vez tengas en mente todas tus ideas, haz una lista con ellas. Esta técnica se conoce como brainstorming (algo así como "tormenta de ideas") y consiste en generar ideas creativas sin rechazarlas a la primera por miedo o por olvido. Cuanto menos se asocie una idea a un fracaso, más creativa resultará. La flexibilidad y hacerse preguntas atrevidas como "¿Hacer música con palos de helado?" o "¿Mezclar ruidos de un baño público con instrumentos de cuerda frotada?" suelen dar resultado.



9. Entrena tu creatividad con la improvisación

A veces, la mejor manera de crear algo es experimentar por ti mismo. Gran parte de los conocimientos que adquiere un bebé se deben a la experiencia que tienen con el mundo que les rodea: tocan, huelen y se meten en la boca todo aquello que encuentran. En música, esta libertad de aprendizaje apenas se da cuando sigues una partitura a rajatabla. El secreto para desenvolver la creatividad es el de interpretar la música como si se estuviese entablando una conversación de forma natural. Según el profesor de música, Kofi Agawu (2006), la improvisación o la composición en el momento presuponen una competencia en el hablar de un lenguaje musical". Cuando improvisamos música, nuestros sentidos se agudizan porque las notas que interpretamos no vienen predefinidas por un papel, sino que todo lo que se escucha sale de nuestra cabeza. Esa es uno de las ejemplos más claros de creatividad musical, como bien se representa en el siguiente vídeo:


10. Más hace el que quiere que el que puede

Una obra musical no está terminada hasta que su compositor no quede totalmente satisfecho con ella. Pero no desesperes. Trabajar duro es la clave. Lo que marca la diferencia entre tú y cualquier otra persona con más recursos o suscriptores en las redes sociales es que tú te lo curras, y te lo curras mucho. Que tu trabajo no se haya valorado (aún) no significa que no sea bueno. Esto es así. Vivimos en una era en la que el número de likes y de followers determina quién es más visible en la red, pero no quién es más creativo. Sigue trabajando y verás que, en un futuro no muy lejano, tu creatividad habrá dado sus frutos. :)
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28 jun. 2017

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El Castillo de Lorca se llena de música este verano

Lorca celebra sus fiestas locales en un edificio histórico que acogerá actuaciones de artistas nacionales como Loquillo, Miguel Poveda, Chambao, Muchachito Bombo Infierno y Los Secretos

Castillo de Lorca (Región de Murcia). / CC

El verano viene acompañado de fiestas y conciertos que sólo ocurren en esta época del año. Sin embargo, son pocos los espectáculos que tienen lugar en espacios tan insólitos como una fortaleza de origen medieval. Este año, las fiestas de Lorca se se ubicarán en un enclave único de la Región de Murcia: el castillo de Lorca.

En esta iniciativa llamada Sonidos Fortaleza, pasarán durante el mes de julio algunos de los nombres más destacados y conocidos de la música española: Los Secretos, Loquillo, Chambao, Miguel Poveda y Muchachito Bombo Infierno. Además, estos conciertos de verano en Murcia contarán también con artistas locales como Los Marañones y Joaquín Talismán. Todas las entradas están a la venta en el portal de venta de entradas murciano y sus más de 40 puntos físicos repartidos por toda la provincia.

Sonidos Fortaleza forma parte del festival Tendencias Summer Fest, una iniciativa cultural que se pondrá en marcha a lo largo del verano para dinamizar el ocio estival en Lorca. Ofrecerá noches de música de distintos estilos apostando en todo momento por la calidad de sus protagonistas y un escenario único como es la fortaleza medieval. Se trata de uno de los castillos más grandes de España, construido entre los siglos IX y XV, catalogado como Bien de Interés Cultural. Durante el reinado de Alfonso X, fue un punto estratégico durante la Reconquista puesto que servía de frontera entre el reino cristiano de Murcia y el musulmán de Granada.

Para facilitar los accesos se pondrá en marcha un servicio gratuito de autobuses que conectarán La Merced con los accesos al propio Castillo de 20.30 horas a 23.00 horas, hora en la que darán comienzo los conciertos.
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22 jun. 2017

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Oskar Fischinger, pionero de los efectos visuales de las discotecas

«La música no se limita al mundo sonoro, también existe la música visual». Oskar Fischinger, 1951.
Así comienza el doodle que ha dedicado Google a Orkar Fischinger en el 117º aniversario de su nacimiento. Para los que no lo sepan, Fischinger fue un pintor y animador alemán, pero no uno cualquiera. Sus animaciones estaban acompañadas de música y, además, resultaban ser demasiado abstractas para su época, tanto que tuvo que huir de Alemania por miedo a que Hitler lo fusilara. Ya sé lo que vas a decir: "¡Ufff! ¡Arte abstracto! ¿Quién disfruta eso?" Quizás te parezca sorprendente, pero el arte de Fischinger lo vives tú todas las semanas (concretamente los viernes por la noche) y no he visto que hayas protestado por ello. En efecto, se podría decir que Oskar Fischinger es el pionero de los efectos visuales de las discotecas. ¿Que no me crees? Ahora te explicaré por qué.

Tras su exilio de Alemania en 1936, Fischinger se instaló en Hollywood, donde comenzó a filmar sus primeros cortometrajes de animación. Su dominio en el diseño de figuras abstractas y en los efectos especiales hicieron que pronto plasmase en sus vídeos su gran pasión por este arte. Sus creaciones se caracterizaban por capturar movimiento y dramatismo con un simple plano que combinaba colores y diseños abstractos. Los colores y motivos que empleaba estaban cuidadosamente planificados y sincronizados con la música que acompañaba a sus animaciones, tal y como se representa en el nuevo doodle de Google

Visualización abstracta de Windows Media Player. / CC
Ahora viene lo bueno. Esta particular forma de combinar figuras abstractas y música en sincronía para generar un efecto de movimiento no se quedó en el pasado, sino que ha llegado hasta nuestros días. Sin ir muy lejos, todos hemos reproducido alguna vez una canción en nuestro reproductor de Windows Media y hemos visto la variedad de visualizaciones y efectos que aparecen al ritmo de la canción, como vórtices, círculos, olas, etc. Pues a esto se dedicaba Fischinger en su época. ¡Pero espera! Que, aún hay más...

Este efecto de movimiento también es muy característico de un lugar que seguro que habrás visitado al menos una vez en tu vida... Venga, piénsalo bien... ¿Qué lugar de tu ciudad combina efectos visuales de color y música? ¡Exacto! Las discotecas.

Si alguna vez has estado en una discoteca y has alzado la vista si las circunstancias te lo han permitido (no quiero insinuar nada),  habrás podido comprobar que en el techo hay colgada como una bola de espejos que emite rayos de luz de colores que te invitan a bailar. Por supuesto, estas cosas con luces de colores y figuras en movimiento no están puestas porque sí. La primera vez que viste este efecto seguramente pensaste que sólo servían para adornar la pista de baile, pero lamento decirte que esto ya lo hacía Oskar Fischinger en sus más de 50 cortos desde los años 30 para crear tensión y aumentar el pulso del espectador, casi como si quisiese incitarle a bailar. ¡Y qué casualidad! Hoy, tú lo disfrutas bailando, pero te estoy hablando de algo que ya se ponía en práctica desde hace más de 80 años... Ahora, dime: ¿cómo sienta saber que eres tan manejable como alguien de hace 80 años?

Siguiendo con su obra, Fischinger compuso un poema visual basado en "La segunda rapsodia húngara" de Liszt y hasta participó en la realización de una película Disney. Quizás, si hubiese vivido en nuestro siglo, se hubiese forrado con animaciones para discotecas o reproductores de música, pero el escaso amor de su época hacia el arte abstracto apenas le ayudó a darse a conocer. Tras ver frustrados todos sus intentos de difundir su arte en el sector audiovisual, Fischinger se fue dedicando cada vez más exclusivamente a la pintura al óleo. Su obra más notable se titula "Motion Painting No. 1". Échale un ojo mientras escuchas algo de dubstep, ¡pero con cuidado! ¡Que es arte abstracto!


Fuente:
www.oskarfischinger.org
www.imdb.com/name/nm0279202

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21 jun. 2017

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Estudiando los sonidos

Musik und Sprache (música y habla/lenguaje) es un ejemplo de los primeros proyectos experimentales que incluían grabación y posterior síntesis sonora.

Una grabación de una persona pronunciando el título se somete a distintos filtros para acotar los armónicos principales y notas clave de la voz, que luego se reagrupan y se tocan por una orquesta. Esto resulta en una fascinante recreación de la voz humana con instrumentos convencionales. A continuación la orquesta lo repite ligeramente fuera de sincronía, donde se comprueba como desaparece todo rastro de concordancia. En cierto modo, nos hace ver como la voz humana es más que tan sólo armónicos, ya que cambiando el punto en el cual aparecen hace desaparecer por completo la referencia vocal.

Espectrograma. / www.izotope.com
Al parecer, estos nuevos caminos para abrir nuevos frentes en la música contemporánea pronto perdieron su popularidad, en parte debido a presiones artísticas externas, como el auge de otros tipos de música electrónica de carácter más sintético. Nos suenan nombres como Stockhausen, por ejemplo. Estas otras corrientes serían las que más se escucharan o dieran a conocer a partir de entonces. Como concepto, el buscar sonidos para analizarlos y utilizar los resultados no acabaría aquí en absoluto.

La idea del análisis acústico y fonológico siempre ha estado apareciendo en las últimas décadas de música experimental. Ya no solo en el ámbito vocal, sino también en emplear resonancias de una habitación, como en I am sitting in a room; o bien diseñar la música en sí para que sus sonidos resuenen de una manera específica en un auditorio específico, también música que simula sonidos de distintos tipos, como en Horatio Oratorio, del costarricense Federico Reuben, del cual hay algún que otro fragmento por ahí.

La construcción del sonido a partir de sus armónicos en sí no es tarea sencilla si no respetamos los armónicos inherentes a cada instrumento, por ejemplo, que se agregarían a los fundamentales. El hecho de simular sonidos, y en especial aquellos que son muy complejos a la vez que claramente discernibles por el oído humano (tal como sílabas con varias consonantes) parece abrumador. A pesar de ello, se pueden resolver muy buenas aproximaciones y, con ellas, jugar con los recursos que ofrecen. Ya más allá del arte conceptual donde el concepto innovador parece ser que sólo puede alcanzar una obra (pues cualquier otra más adelante pierde el brillo pionero como ingeniosa reflexión), podría acabar siendo una herramienta más de cualquier otra corriente contemporánea. No se observan demasiados casos de esto, la verdad, probablemente debido al significativo esfuerzo que se ha de volcar en producir la música en sí, que para muchos se debería considerar "un fin en sí mismo".

En cualquier caso, es interesante que músicos, melómanos y demás se tomen su tiempo para pensar en la importancia de las primeras piezas con estas ideas innovadoras. Y más allá de su mero aspecto desgarbado, poco cuidado y sin afeitar, las obras como la primera mencionada esconden una trascendente visión artística. Quién se imaginara, en los principios más tempranos de las nuevas tecnologías, el empezar a pensar sobre síntesis de sonidos y análisis de grabaciones a un nivel tan abstracto. Digno de admiración, el resultado creativo nos lleva a una música, ya en el siglo XXI, muy distinta por los nuevos avances tecnológicos y por cambios en la estética musical, pero todavía rica en matices y con un claro enlace a esos primeros pasos que la permitieron aparecer.
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