30 oct. 2015

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Simrock de Bonn, el padre de la piratería musical

Simrock de bonn
Simrock de Bonn. / Creative Commons
Este es Simrock de Bonn, el mejor editorialista vienés del siglo XIX y, aunque cueste creerlo, el primer ser humano que se ganaba la vida pirateando obras musicales. El modus operandi de Simrock era muy simple: se hacía con obras publicadas por otras editoriales para luego venderlas como si fuesen suyas. Entonces no era ilegal, aunque sí poco ético, y hubo varias disputas entre artistas y editorialistas al respecto. No existía una ley que regulase la piratería y eso frustraba mucho a los artistas de la época. El robo de obras se realizaba, sobre todo, copiando partituras. Uno de los compositores más afectados por esta práctica, hoy considerada ilegal, fue el compositor alemán Ludwig van Beethoven.

La piratería en la actualidad ha dado numerosos quebraderos de cabeza. Conforme ha aumentado el número de usuarios de Internet, la distribución ilegal de datos no ha hecho más que incrementarse proporcionalmente. Miles de servidores perdidos en toda la red albergan de manera de forma ilícita obras con derechos de autor reservados. Estas obras se ponen al servicio del usuario, quien podrá descargar muchísima información sin pagar por ella.

Para los cibernautas, la piratería no existe, sino que es simplemente una forma de compartir una serie de archivos con un "compañero", de la misma manera que lo compartiría si lo invita a su casa. No obstante, los profesionales que se dedican al mundo del arte son incapaces de asumir esta máxima. En 2014, el 84% de los contenidos culturales que se adquirían en España fueron de origen pirata. Actualmente, el delito de piratería en España está penalizado con multas que van desde los 150.000 hasta los 600.000 €.

En nuestro país, la piratería sigue siendo uno de los asuntos más polémicos de los últimos años. En 2009, la Ministra de Cultura del gobierno del PSOE, Ángeles Gonzalez-Sinde, publicaba una ley contra la piratería: la polémica Ley Sinde. Esta ley intentaba regular, en la medida de lo posible, el flujo ilegal de obras españolas con derechos reservados en el entorno cibernético. Sin embargo, esta legislación trajo consigo un arma de doble filo que solamente sirvió para enriquecer aún más a este organismo, puesto que la Sociedad General de Autores Españoles comenzó a cobrar derechos de autor por la reproducción de obras que ni siquiera tenían reservadas. Irónicamente, el opositor a la piratería había pasado a convertirse en otro pirata más.

Fuente:

https://en.wikipedia.org/wiki/N._Simrock
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29 oct. 2015

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España recaudó 227 millones de euros en derechos de obras musicales en 2014

El segundo informe anual de la CISAC demuestra que las recaudaciones suponen casi un 0,03% del PIB español

Recaudaciones 2014 por páis
Recaudaciones 2014 por páis. / CISAC
El segundo informe económico de 2015 presentado por la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores (CISAC) indica que España recaudó 227 millones de euros en 2014 por reclamaciones de derechos en obras musicales, casi un 0,03% del PIB español. La suma total recaudada a nivel mundial ascendió a 7.900 millones, un 2,8% más que en 2013.

España se sitúa entre los países europeos que menos ingresos obtuvieron en obras musicales. Por otro lado, Europa continua liderando el ranking de continentes más solventes, con una recaudación por habitante de 5,49€, un total de 0,049% del PIB europeo. Sin embargo, Estados Unidos sigue siendo el país que más recaudaciones ha obtenido a nivel mundial, con una cifra de 1.114 millones de euros en 2014.

Refiriéndose a estos resultados, el Director General de la CISAC Gadi Oron declaró:
«Nos complace publicar un segundo Informe 2015 sobre las recaudaciones mundiales, que refleja el compromiso de la CISAC de comunicar con mayor prontitud las cifras de derechos recaudados por sus miembros, ajustándonos así a la rapidez y el dinamismo del mercado en la actualidad.
En 2014, los derechos recaudados retomaron el crecimiento, con un alza de un 2,8% de las recaudaciones totales. Casi todos los repertorios artísticos aumentaron al menos un 2%: las recaudaciones de derechos musicales ascendieron un 2,4%, los derechos procedentes de las artes visuales fueron los que más subieron (+16,5%), seguidos por los derechos audiovisuales, que registraron un incremento interanual de un 5%.
Los derechos de ejecución, que constituyen la gran mayoría de derechos recaudados por nuestros miembros (79%), experimentaron un aumento interanual de un 3,8%. 
Europa, la mayor región de la CISAC en cuanto a la recaudación de derechos, registró un sólido crecimiento de un 4,1%. Canadá-Estados Unidos, la segunda región de la CISAC que más derechos recauda, aumentó un 6,2%, alcanzando el índice de crecimiento más alto de todas las regiones. Las recaudaciones de América Latina aumentaron un 2% y los derechos recaudados en Asia-Pacífico se vieron nuevamente afectados negativamente por los tipos de cambio, por segundo año consecutivo (-5,3%). Los países BRICS registraron un alentador aumento interanual de un 11%, después de unos resultados muy sólidos en 2013, año en el que las recaudaciones aumentaron un 30%.»
Recaudaciones por habitante, por región
Recaudaciones por habitante, por región. / CISAC
La música, que generó el 87% de las recaudaciones mundiales, aumentó un 2,4% después de experimentar un ligero descenso en 2013. En Europa, los derechos de ejecución de obras musicales, que corresponden al 75% del total, acreditaron una cifra de 3.659 millones de euros en 2014. Los derechos de reproducción, con un 17%, se colocan con más de 800 millones de euros, y el resto de los derechos como los de copia privada, se mantienen en el 8%, por encima de América y Asia, con una cifra de 402 millones al año.

Una beneficio mediático

De todos los medios que existen, la televisión y la radio fueron los que más ingresos recaudaron de obras musicales por derechos de autor, con un 40,7% del total, al mismo nivel que la televisión africana. Le siguen los impuestos recogidos mediante conciertos y sesiones live (33,5%), el contenido digital (5,3%), venta de CDs (5,5%), copia privada (6,3%) y vídeo (0,7%). Sin embargo, Estados Unidos perdura en su puesto con considerable porcentaje superior en cada una de las regiones mencionadas, siendo la más significativa la música de la televisión y la radio, con más de un 70% de recaudaciones.

La gran parte del aumento de los derechos relativos al sector digital y multimedia (+20,2%) procede del repertorio musical. Gadi Oron comentó al respecto:
«A medida que el mundo continúa avanzando hacia un panorama digital, nuestras sociedades siguen esforzándose en responder a las demandas del mercado y ofrecer nuevas soluciones en materia de concesión de licencias.
El porcentaje de los ingresos digitales respecto al total de las recaudaciones mundiales ha ascendido a un 6,5% y la música representa más del 99% de las recaudaciones digitales. Esta cifra refleja los grandes progresos realizados por las sociedades musicales, aunque también pone de relieve las oportunidades existentes para otros repertorios. 
Nuestras cifras de este año revelan el cambio producido en el mercado digital, que ha pasado de las descargas al streaming, con una caída de los derechos mecánicos por las utilizaciones digitales (-29,1%), mientras que los ingresos procedentes de los derechos de ejecución por los servicios digitales crecieron considerablemente (+56,7%). A medida que evoluciona el comportamiento del consumidor se van ajustando las estructuras de concesión de licencias, pero el reto sigue siendo garantizar una remuneración justa para los creadores. La CISAC seguirá trabajando con sus sociedades, los proveedores de servicios digitales y los responsables de la toma de decisiones con el fin de alcanzar este objetivo.»
El Presidente de la CISAC, Jean-Michel Jarre señaló:
«Cuando viajo por el mundo, es muy gratificante para mí constatar la maravillosa riqueza de talento que existe por todos lados —especialmente entre las generaciones más jóvenes— y soy un testigo privilegiado de la inmensa aspiración de los creadores a ser tratados con respeto y a recibir una remuneración justa por toda utilización de sus obras. Los creadores apoyamos plenamente a nuestras sociedades a la hora de adaptarse a las nuevas condiciones del mercado para seguir aumentando el importe de los derechos recaudados.» 
Fuente:
http://es.cisac.org
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Myaskovsky, N. - Sinfonía nº 6



Entre los compositores más notables de la Unión Soviética se encuentra Nikolai Myaskovsky, cuyas aportaciones al panorama orquestal ruso de esa época fueron más que significativas. Con 27 sinfonías, las diferentes técnicas compositivas y recursos de orquestación (ambos muy representativos del estilo más común entre sus coetáneos rusos) que utiliza durante su vida se pueden observar fácilmente a través de su gran legado sinfónico.


Nikolai Myaskovsky
Nikolai Myaskovsky. / Creative Commons


Cabe mencionar que la situación social e histórica le influyó en gran medida. De este modo, en su primeras cuatro sinfonías, la influencia de Scriabin es evidente, y los desarrollos motívicos, así como la presentación de elementos temáticos, sugiere una gran emulación (que no imitación) de los maestros post-románticos rusos (aquellos que continuarían con la escuela de Los Cinco más adelante, como Glazunov, Glière o Lyapunov).

Las siguientes sinfonías tienen un carácter muy distinto: se aprecia un estilo más cultivado y personal.

Es en esta época en la que comienza a influirle el movimiento artístico conocido como realismo socialista, basado en la expresión de la vida cotidiana como un triunfo de la clase trabajadora, el proletariado. Este estilo nace en la URSS al principio del siglo XX, pero pronto se extiende a otros países socialistas y, en menor medida, como una influencia a artistas de todo el mundo. Este movimiento, a diferencia de muchos otros, no es cronológicamente homogéneo y tiene tres etapas: la primera busca una representación experimental (revolucionaria en cuanto a la forma) del proletariado y su lucha. Más adelante, el realismo socialista pierde este carácter y emplea elementos tradicionales (en el caso de la música, melodías o progresiones armónicas). Por último, a partir de 1960, otras vanguardias cambian el estilo expresivo del realismo socialista, aunque este último periodo ya no afecta a Myaskovsky.

A partir de su decimocuarta sinfonía, Myaskovsky se sitúa plenamente en la segunda etapa de este movimiento, con la vigesimocuarta sinfonía como uno de los mejores ejemplos. Hasta entonces, todavía se sitúa en la primera etapa, y la sexta sinfonía, que es la que vamos a analizar en más detalle, es el claro exponente de los atributos que corresponden a esta corriente.

Ahora bien, ¿es la sexta sinfonía la más experimental que compuso? Probablemente no. La décima y la decimotercera se alejan más de la tonalidad y de la forma clásica de la sinfonía ortodoxa. Aun así, esto convierte a la sexta sinfonía en un punto de partida relativamente accesible para empezar a conocer a este compositor y el estilo en el que se encuentra.

¿Qué podemos encontrar en la sexta sinfonía? En cuanto a la forma general, sigue un esquema bastante común, si bien de enormes dimensiones tanto en número de músicos como en la duración. El inicio de la sinfonía utiliza seis acordes bastante disonantes que se emplearán como un motivo recurrente a lo largo del primer movimiento (especialmente con el viento metal). Muchos musicólogos han prestado atención a estos compases iniciales, discutiendo su origen (personal o social), pero en cualquier caso constituyen uno de los motivos recurrentes más empáticos, románticos (en el sentido artístico-filosófico de la palabra), casi trágico. El hecho de que emplea al viento metal para simbolizar este motivo más adelante respalda esta interpretación. Si se compara esto con el trasfondo general del realismo socialista se comprueba una relación bastante coherente entre este motivo y el tópico socialista de la lucha de clases. La aparición del motivo en momentos clave, sonoros, empuja la música hacia adelante con sus dos grupos de terceras descendentes.

El tema A aparece justo después de los acordes disonantes. Es rítmico, utiliza intervalos poco usuales para denotar un leve nerviosismo o incluso algo de ansiedad. De nuevo, la orquestación de este tema crea tensión, comenzando con la cuerda y acabando con la inclusión de trompetas, estableciendo así la atmósfera que desarrolla durante el primer movimiento. Esto no contrasta demasiado con el pasaje que viene a continuación, el puente modulante encargado de llevarnos hacia el tema B. La estructura de ese pasaje también empieza muy suave con violas y construye la tensión haciendo repeticiones del modelo inicial cada vez más fuerte y agudo, muy progresivamente, llevando a una liberación máxima de tensión en la que efectivamente aparece el primer motivo que hemos mencionado, con las trompetas.

Justo antes de que el tema B aparezca con la trompa, hay un pasaje un tanto homofónico, casi a modo de coral, con la cuerda. Este pasaje nos lleva a una atmósfera mucho más apacible y cotidiana. El tópico socialista de la exaltación del estilo de vida medio (como se puede ver en esculturas o los típicos relieves no bélicos que incluyen a campesinos u otros trabajadores) aparece en este pasaje de manera general, ilustrando el lugar, la situación global. En el tema B aparece la trompa con un solo, con el mismo carácter, pero evidentemente ya simbolizando a un individuo cualquiera de ese ambiente que ha descrito musicalmente. El hecho de que Myaskovsky elija estas dos temáticas, o ideas, par el tema A y el tema B no son coincidencia, es más, podría verse como un recurso el llevar al desarrollo estos dos temas simbólicos para oponer estos dos tópicos y llevarlos, como en cualquier forma sonata desde el romanticismo, a una conclusión.

Sin entrar en mucho más detalle en el segundo y tercer movimientos, no por falta de cosas que decir sino por necesidad de una (relativa) brevedad, tan sólo es necesario decir que es igualmente recomendable escuchar estos dos movimientos centrales e intentar relacionar el material melódico con el estilo en el que está, algo bastante sencillo debido a que esta sinfonía es un claro ejemplo del mismo. Es interesante notar la inclusión de melodías rusas (o de estilo ruso) en el tercer movimiento. Así pues, las preguntas que nos debemos hacer son varias. ¿Qué confiere a esta sinfonía un carácter propio del realismo socialista? ¿Cómo aprovecha Myaskovsky la orquestación (es decir, el uso de los instrumentos con distintas intenciones) para transmitir emociones? ¿Por qué hay dos grandes pausas cerca del final del segundo movimiento, en lugar de una?

Pero ahora vayamos al último movimiento. Poco queda del carácter ansioso, impotente, trágico e incluso personal explorado en el primer movimiento. Y este movimiento es en sí mismo tan contrastante que podría pertenecer a dos sinfonías diferentes. Veamos pues su claro esquema bipartito: una fanfarria triunfal de los metales y melodías llenas de optimismo. Unos minutos después, hay un ambiente solemne y triste, extremadamente conmovedor, con un canto ortodoxo fúnebre a modo de réquiem, utilizando dos coros. ¿Muestra esto los dos lados de la revolución? Myaskovsky suele utilizar estos recursos más a menudo en obras posteriores, aunque también en su opus 31, para piano, la última de las piezas del opus incluye este carácter. Esto está muy abierto, pero la contraposición de estos sentimientos radicalmente opuestos es muy significativa. Es igualmente sorprendente el final tan extremadamente solemne en comparación con todas las otras emociones que se han ido presentando a lo largo de la sinfonía. La obra no es un aperitivo en absoluto. Es tan compleja que sigue sorprendiendo cada vez que se escucha, y es sin duda rica en contenido y desarrollo filosófico.



Curiosidad


En la sinfonía hay un pasaje de mínima importancia presentado por la flauta en uno de los movimientos centrales y que no vuelve a aparecer… hasta la séptima sinfonía, la cual empieza con básicamente lo mismo (también tocado por la flauta) y en la que constituye el eje central del desarrollo.
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28 oct. 2015

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La Universidad de Berklee lanza una campaña de cursos online de música

El seguimiento de dichos cursos será necesario para obtener el título oficial de dicha Universidad y poder iniciarse en el mundo de la producción musical

Universidad Berklee de Música. / Cryptic C62
La Universidad de Berklee ha publicado hoy en la plataforma Youtube un vídeo promocionando la oferta de cursos de música online. El seguimiento de dichos cursos será necesario para obtener el título oficial de dicha Universidad y poder iniciarse en el mundo de la producción musical.

La facultad ha lanzado una campaña de cursos individuales de 12 semanas online, programas de múltiples cursos con certificado incluido y un programa de licenciatura online en una matrícula con un 60% de descuento más que la que se encuentra en el campus. Esta oferta ha sido posible gracias a un acuerdo entre la Universidad de Berklee y la empresa de servicios musicales "Music2Deal".

Berklee oferta una gran variedad de cursos online desde sus orígenes. Algunos de ellos son: Análisis de Producción Musical, Pro Tools 101, El Arte de Mezclar, curso Avanzado de Masterización, Producción Musical con Ableton Live, etc.


Estudios con músicos y para músicos

La plantilla de instructores de la Universidad cuenta con profesionales del mundo musical de renombre como Vicent Avella, compositor de bandas sonoras para cine y videojuegos, o Mark Cross, productor musical de cine y televisión. El campus alberga profesionales que han producido y lanzado al mundo musical numerosos proyectos premiados y, además, algunos trabajos de fin de grado de sus estudiantes han ganado nominaciones a los premios Grammy.

La facultad está abierta a estudiantes de 130 países de todo el mundo. Además, cuenta con el asesoramiento de miembros de Dave Matthews Band, Nine Inch Nails, Sugarland y Karmin; productores que ejecutan grandes estudios de grabación; ejecutivos de líderes en la industria de tecnología y negocios empresas.

Aquí el vídeo promocional:




Más información:

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