8 ago. 2017

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Breves pinceladas sobre el Ars Subtilior

En la Edad Media, las corrientes musicales occidentales descubren la polifonía a partir del denominado organum, procedente de cantos monódicos gregorianos que muy lentamente comenzaron a incluir intervalos nuevos y no únicamente permitiendo el unísono.
Tras esas primeras excursiones a la combinación de notas, en su origen muy limitadas, se establecen guías para comprender la armonía y estructura de esa música. Se puede decir que se establece la polifonía en la música occidental. Evidentemente, la música sigue evolucionando y después de un tiempo, los teóricos Jeans des Murs y Philippe de Vitry analizaron los cambios en la creación musical de aquel tiempo, que ya eran muy notables. En sus libros, entienden que hay una nueva forma, a nivel europeo, de escribir música. Esto no es del todo cierto, claro, pues cada lugar tenía su estilo particular derivado de la tradición musical local. Pero tampoco están del todo equivocados, y de hecho su perspectiva es la que se sigue utilizando, grosso modo, para diferenciar el arte previo a aproximadamente 1300 del posterior. Llamaron ars antiqua a la manera previa de escribir la música, es decir, arte antiguo. A la nueva manera se la conoció como ars nova, conjunto de estilos en los que la polifonía se desarrolló rápidamente, dejando atrás la monodia definitivamente. Muchos de los madrigales, motetes y demás géneros que siguen apareciendo durante el Renacimiento llegan a un alto nivel de desarrollo teórico y musicológico ya por estos tiempos.

Pero bueno, ¿el ars subtilior es un periodo a parte o un estilo dentro del ars nova? Si ya pasamos del ars nova al Renacimiento, o pasando por la escuela de Borgoña... ¡poca cohesión se ve aquí! Pues es muy cierto. Se puede argumentar que había más diferencias estilísticas entre la escuela franco-flamenca y las distintas escuelas al sur de los Alpes que a nivel temporal. Es una mezcla de todo, como siempre, pero desde luego que ya a partir del Barroco uno no nota variaciones geográficas tan fuertes.

Sin esta situación no habría surgido el ars subtilior, un estilo -y periodo, al mismo tiempo- que nos debería dejar perplejos. Se desarrolla en un tiempo y una región determinados. Comienza a partir de 1360, aproximadamente, y la mayoría de musicólogos lo considera un nuevo estilo posterior al ars nova. Además, el ars subtilior se establece sobre todo en Aviñón y en los alrededores de París, donde la mayor parte de su desarrollo se concentra. También aparece por el Piamonte y otras zonas del norte de Italia, y probablemente por muchas partes del reino de Aragón.

Como podemos ver en esta última obra, Ma tre dol rossignol, sigue estando muy presente la firma pre-renacentista, pero es notable que, para ser música vocal, tenga polifonías tan interesantes.
La polifonía se comienza a usar de manera tan abundante y compleja que casi parece un guiño sarcástico al auge de esta. Este estilo, cuyo nombre irónicamente significa "arte más sutil" destaca por su recargado carácter, con polirritmias y polifonías contrapuntísticas que lo hacen parecer un anacronismo.
Entre los compositores más importantes, cabe destacar a Johannes Ciconia y a Matteo da Perugia. De este último dejamos aquí una obra, Andray Soulet, para poder observar la compleja polifonía modal de este periodo. Veamos:

El Codex Chantilly comprende una enorme colección de obras del Ars Subtilior. En él están recogidas, entre muchas otras, obras como esta pieza instrumental de Johannes Vayllant, Par maintes foys, con muy interesantes recursos musicales: este virelai emplea las flautas para imitar el canto de los pájaros.

En el norte de Italia también aparece una colección de obras similar: el Codex Faenza, que recoge las primeras obras escritas para instrumento de teclado que se conocen. Este códice contiene muchas obras del Trecento musical italiano, una corriente que hacia 1370 ya comienza a obtener muchas influencias del ars subtilior de Aviñón, sobre todo de la mano de autores como Francesco Landini. En la balada anónima que presentamos a continuación, para flauta, vihuela y arpa, se pueden encontrar rasgos del ars subtilior occitano.


Anexo: Más música del ars subtilior
Ciconia, J. Caçando un giorno
Ciconia, J. Una panthera, y aquí la versión instrumental del madrigal


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14 jul. 2017

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Estas son las 20 canciones más pegadizas de la historia

Científicos de la Universidad de Saint Andrews realizaron en septiembre de 2016 un estudio sobre las 20 canciones más pegadizas de la historia. Según revela el investigador Bede Williams al semanario musical de Reino Unido, New Musical Express, un hit necesita seguir la siguiente fórmula para que “se te pegue”:

Receptividad + (predictibilidad - sorpresa) + potencia melódica + (repetición rítmica) = tema pegadizo                            

Gusanos en el oído

Queen. / kentarotakizawa
Según estos criterios, se elaboró un ranking con las 20 canciones más pegadizas de la historia. Para ello, se basaron en los mecanismos neuronales que se ocultan en la percepción de la música. Los científicos llaman a este fenómeno "gusanos del oído", del alemán Ohrwurm, o simplemente el síndrome de la canción pegadiza. Según el músico y neurocientífico Daniel Levitin (p.98, 2011), “las canciones sencillas y los estribillos son más pegadizos que las composiciones musicales complejas”.

De acuerdo con el estudio, Queen lidera el ranking de canciones más pegadizas y sitúa "We will rock you" de Queen como la más recordable de la historia. La sigen "Bohemian rhapsody" y "We are the champions". 


Las 20 canciones más pegadizas de la historia

1. Queen – "We will rock you"


"We will rock you" de Queen se ha coronado como la más pegadiza de la historia de la música por un ritmo tan marcado. Es inevitable, para cualquiera que la escuche, seguir el tempo de la canción con palmadas o zapatazos.


2. Pharrell Williams – "Happy"


La reciente (o ya no tan reciente) canción de Pharrell, esa que invadió los programas de televisión de medio mundo, se sitúa en segunda posición. Quizás por inmóvil melodía en el estribillo o quizás por su ritmo tan "bailongo".


3. Queen – "We are the champions"


Porque ser sólo los primeros no era suficiente para Mercury. El célebre estribillo de esta canción se escucha allí donde sea que haya una victoria. La letra lo dice todo.


4. The Proclaimers – "I’m gonna be (500 Miles)"


Los escoceses toman la cuarta posición con su éxito ochentero "I'm gonna be" conocida por haber salido en la película"Amanecer en Edimburgo" y en la serie "How I met your mother".


5. The Village People – "YMCA"


Ni qué decir tiene del estribillo de esta canción: tan sólo cuatro notas, una por letra. ¿No es razón suficiente para no dejar de tararearla en la ducha?


6. Queen – ‘"Bohemian rhapsody"


Queen ataca de nuevo, con once minutos de pura rapsodia musical. Aunque carece de estribillo, la variedad y fantasía de sus partes hacen que no se te quite de la cabeza, lo que la convirtieron en la tercera canción más vendida de todos los tiempos.


7. Europe – "The final countdown"


Protagonista de películas, series y hasta de anuncios de televisión y de radio. Gracias a la potencia de su estribillo "The final countdown" se merece el puesto número siete como recuento final.


8. Bon Jovi – "Livin' on a prayer"


Estos melenas dieron en el clavo en los años 80 con una canción que de verdad recogía la esencia de su época. Un riff de guitarra inconfundible y un estribillo que dejó (y sigue dejando) los pelos de punta a más de uno.


9. James Pierpoint – "Jingle bells"


Este clásico navideño no pierde la fama. ¿Quién no ha tarareado esta melodía en Navidad? Pues eso.


10. Baha Men – "Who let the dogs out?"


Original y divertida es esta canción de Anslem Douglas que mezcla ritmos caribeños con un estribillo de hip-hop. La letra no tiene desperdicio: fácil, corta y divertida. Se merece el décimo puesto.


11. Psy – "Gangnam style"


Sólo tres palabras hicieron que esta canción fuese la más recordada y el vídeo de Youtube más visto de 2012. La coreografía también ayudó.


12. Rick Astley – "Never gonna give you up"


Uno de los memes más venerados de Internet. Sirvió como música dance a finales de los 80 y acabó siendo el guiño más visto de Youtube. Si buscas algo en la red y no lo encuentras, nunca te rindas, ahí estará Rick.


13. Journey – "Don’t stop believin"


Canción ochentera que recuperó ventas en 2008 con el auge de Spotify y la versión de la serie Glee. El estribillo tiene lo suyo y la voz del vocalista invita a hacerle los coros.


14. Mark Ronson – "Uptown funk"


A tempo de palmadas y ritmo funky despegó este hit del siglo XXI que nada tiene que envidiar a los clásicos. Una obra de arte muy pegadiza.


15. Taylor Swift – "Shake it off"


La cantante de country decidió alejarse un rato de su estilo para componer esta popular canción veraniega. La jugada le salió bien.


16. Michael Jackson – "Beat it"


No se olvidaron del Rey del Pop. Una de sus obras más escuchadas, "Beat it" se posiciona en el decimosexto lugar. Muchas personas no estarán de acuerdo con esto, pero bueno, just beat it.


17. Kaiser Chiefs – "Ruby"


El sencillo de los británicos Kaiser Chiefs triunfó en 2007. Una palabra como estribillo que se quedó grabada en las mentes de medio mundo.


18. The Rocky Horror Show – "The timewarp"


Los coros de esta canción de rock & roll se escucharon en muchos shows y películas, algo que facilitó que se pegara a los oídos de los espectadores.


19. Meghan Trainor – "All about the bass"


La estrofa de este sencillo hizo estallar los bajos de muchas discotecas. Recibió más críticas positivas que negativas y varios críticos la elogiaron por ser un tema realmente pegadizo, por lo menos para ser el penúltimo más pegadizo de la historia.


20. Culture Club – "Karma chameleon"


Los riffs y los coros de esta canción británica la hicieron destacar en su época. Aunque sea la última, el tartamudeo de su estribillo explicar perfectamente por qué entra dentro de las más pegadizas de la historia.



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29 jun. 2017

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Cómo ser más creativo al componer música

"Music". / vallgall

Componer música
es una las aptitudes que cualquier amante de la música desea conocer y dominar. En el ámbito musical, siempre ha corrido el falso rumor de que para ser un buen compositor hace falta saber mucho de música, aunque esto no es del todo cierto. Conocer los fundamentos de la composición y los diversos procesos compositivos te puede ayudar a no cometer fallos técnicos. Sin embargo, existe una condición muy importante a tener en cuenta a la hora de componer: ser creativo.

«Es imposible para los alumnos encontrar cómo componer sin estar inspirados». Schoenberg, 1994.

Según la RAE, la creatividad es la "facultad de crear", en nuestro caso, es la capacidad que tiene una persona para crear música. Al contrario de lo que piensa la gente, esto no se aprende con la teoría, sino que es una facultad imprescindible de cualquier compositor que se precie. Puedes tocar mil instrumentos y haber estudiado en los mejores conservatorios de Viena, pero lamento decirte que, si no eres creativo, estás perdido.

La creatividad lo es todo para componer música, y la motivación y la inspiración juegan un papel muy importante en este proceso. Una persona que sabe mucho pero que no crea, es como si no supiese nada. No puede demostrar nada. Componer música, así como crear arte, conlleva un gran esfuerzo intelectual. La parte derecha del cerebro en la que guarda la condición creativa de cada persona. El neurocientífico y músico profesional, Jordi Jauset, explica que el hemisferio derecho "es el cerebro del espacio, de la música, de la intuición y de la creatividad”. Esta zona es la encargada de procesar la comprensión de la melodía, la percepción del timbre y los contenidos emocionales del lenguaje musical.

Pero dejemos a un lado la neurociencia. En esta entrada explicaré cómo ser más creativo al componer música mediante diez consejos y ejemplos que os ayudarán a desenvolveros cada vez más en la creación del cuarto arte.

1. Cuida tus oídos

Parece una tontería, pero sufrir algún defecto en los oídos puede afectar de forma negativa a la creatividad de tus composiciones. Enfermedades como los acúfenos o un simple tapón de cera en el oído pueden dificultar la escuchar de los sonidos más discretos de una pieza musical. Por otro lado, existen compositores que sacaron partido de sus problemas auditivos. Seguro que conces al más famoso de todos. En efecto. Beethoven padeció sordera desde los 20 años, y a partir de los 26 empeoró tanto que tuvo que utilizar audífonos. Pero esto no supuso una barrera para su creatividad, todo lo contrario. Se valió de su problema para componer sus últimas sonatas antes de morir que fueron, por cierto, más interesantes y avanzadas para su época. Aquí su última sonata:


2. Estudia algo de composición, pero no te encierres en su reglas

Abrir algún libro de fundamentos de composición de vez en cuando para aclarar dudas no viene mal. Por otro lado, atrincherarse demasiado en las normas clásicas no es muy recomendable a la hora de dar rienda suelta a tu creatividad. El profesor e informático René Victor de la Universidad Técnica de Dinamarca explica que "los bloqueos intelectuales son producto del conservadurismo y la falta de disposición para utilizar enfoques nuevos". Esto quiere decir que las personas que se encierran en unas normas teóricas son reacias a los cambios y, por lo tanto, menos creativas. Hablando de normas establecidas, seguro que no has pensado en usar una guitarra como si fuera una caja de efectos de sonido, como hace Jon Gomm:


3. Busca ideas en tu entorno

Cualquier cosa puede inspirar tu creatividad. El compositor y teórico musical, Arnold Schoenberg, decía que "un poema, una historia, una obra de teatro o una película pueden estimular la expresión de ideas musicales". Pero no nos vayamos muy lejos. Te puedo asegurar que las calles por las que caminas todos los días son una inmensa fuente de ideas que pueden despertar tu creatividad. Que se lo digan a Jarbas Agnelli, el compositor brasileño que una mañana, mientras leía el periódico, vio una fotografía de unos pájaros sobre un cableado eléctrico. Seguidamente, recortó la fotografía y se inspiró en ella para componer una canción utilizando las posiciones exactas de los pájaros como si fuesen notas musicales. Agnelli tenía curiosidad por escuchar la melodía que los pájaros habían creado y ahora también puedes escucharla tú:



4. No tengas miedo a innovar

El pintor español, Pablo Picasso, decía que "el principal enemigo de la creatividad es el buen gusto". Vivimos en unos días en los que la cultura popular ha construido unos patrones que se inclinan más hacia "lo que suena bien" y esta barrera es casi infranqueable para la mayoría de los artistas. Según la Revista Iberoamericana de Educación, "la creatividad es la habilidad para hacer algo nuevo, diferente y útil". Esa diferencia es la que marca a alguien creativo de alguien del montón.



5. Reinventa la música

Versionear o arreglar música que ya existe es un indicio de creatividad. En su libro "El cerebro musical", Diego Alonso Cánovas, explica que "el proceso creativo implica la invención de nuevas melodías o la recreación de las ya conocidas". Asimismo, el compositor de bandas sonoras, John Powell, explica en su libro, "Así es la música", que uno de los recursos compositivos más creativos es el de interpretar una melodía ya compuesta con una armonía distinta. Esta técnica se puede escuchar en la versión de la conocida canción "Imagine" de John Lennon que hizo la banda de rock "A Perfect Circle":


6. Aporta un nuevo significado a la música

Vivir en un mundo hermético en el que "lo que siempre ha sido, sigue siendo" es un error fatal. La sociedad está en constante evolución, y con ella, el significado que le da a su entorno. La música tampoco se escapa. Arnold Schoenberg (1994) asegura que "el tiempo no sólo ha producido un desarrollo de los medios técnicos y ampliado el concepto de tema y melodía en las mentes creativas; también ha cambiado nuestra comprensión de la música escrita en las épocas precedentes". Este nuevo significado de la música ya no viene determinado por su contenido, como bien explica el músico y psicólogo Leonard Meyer (1956), "sino que el significado decae con la cultura y se le asigna otro". De esta manera, hoy podemos ver anuncios de hamburguesas en los que se utiliza una música que, en un tiempo, sirvió para amenizar funerales:


7. Expresa tus emociones, pero no dejes que te dominen

Una de las cualidades del arte es la de expresar emociones y sentimientos. Cuando compones música, intentas que el que la escuche sienta lo mismo que has sentido tú. Para ello, te vales de una serie de técnicas de composición que más se acercan a su expresión. No obstante, un error muy común es el de ponerse a crear cuando uno está pasando por una mala época.

Emocionarse excesivamente limita nuestra libertad para investigar y manipular ideas. En un contexto social, cuando alguien está pasando por una depresión, apenas puede entablar comunicación con otras personas. Esta barrera también se da en la música, dificultando así que puedas expresar lo que sientes de una forma ordenada y razonable. Recuerda que el compositor es el que lo expresa y el oyente es el que lo siente, aunque haya veces que lo sienta demasiado...



8. Haz una lista de tus ideas y selecciona las mejores

Una vez tengas en mente todas tus ideas, haz una lista con ellas. Esta técnica se conoce como brainstorming (algo así como "tormenta de ideas") y consiste en generar ideas creativas sin rechazarlas a la primera por miedo o por olvido. Cuanto menos se asocie una idea a un fracaso, más creativa resultará. La flexibilidad y hacerse preguntas atrevidas como "¿Hacer música con palos de helado?" o "¿Mezclar ruidos de un baño público con instrumentos de cuerda frotada?" suelen dar resultado.



9. Entrena tu creatividad con la improvisación

A veces, la mejor manera de crear algo es experimentar por ti mismo. Gran parte de los conocimientos que adquiere un bebé se deben a la experiencia que tienen con el mundo que les rodea: tocan, huelen y se meten en la boca todo aquello que encuentran. En música, esta libertad de aprendizaje apenas se da cuando sigues una partitura a rajatabla. El secreto para desenvolver la creatividad es el de interpretar la música como si se estuviese entablando una conversación de forma natural. Según el profesor de música, Kofi Agawu (2006), la improvisación o la composición en el momento presuponen una competencia en el hablar de un lenguaje musical". Cuando improvisamos música, nuestros sentidos se agudizan porque las notas que interpretamos no vienen predefinidas por un papel, sino que todo lo que se escucha sale de nuestra cabeza. Esa es uno de las ejemplos más claros de creatividad musical, como bien se representa en el siguiente vídeo:


10. Más hace el que quiere que el que puede

Una obra musical no está terminada hasta que su compositor no quede totalmente satisfecho con ella. Pero no desesperes. Trabajar duro es la clave. Lo que marca la diferencia entre tú y cualquier otra persona con más recursos o suscriptores en las redes sociales es que tú te lo curras, y te lo curras mucho. Que tu trabajo no se haya valorado (aún) no significa que no sea bueno. Esto es así. Vivimos en una era en la que el número de likes y de followers determina quién es más visible en la red, pero no quién es más creativo. Sigue trabajando y verás que, en un futuro no muy lejano, tu creatividad habrá dado sus frutos. :)
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28 jun. 2017

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El Castillo de Lorca se llena de música este verano

Lorca celebra sus fiestas locales en un edificio histórico que acogerá actuaciones de artistas nacionales como Loquillo, Miguel Poveda, Chambao, Muchachito Bombo Infierno y Los Secretos

Castillo de Lorca (Región de Murcia). / CC

El verano viene acompañado de fiestas y conciertos que sólo ocurren en esta época del año. Sin embargo, son pocos los espectáculos que tienen lugar en espacios tan insólitos como una fortaleza de origen medieval. Este año, las fiestas de Lorca se se ubicarán en un enclave único de la Región de Murcia: el castillo de Lorca.

En esta iniciativa llamada Sonidos Fortaleza, pasarán durante el mes de julio algunos de los nombres más destacados y conocidos de la música española: Los Secretos, Loquillo, Chambao, Miguel Poveda y Muchachito Bombo Infierno. Además, estos conciertos de verano en Murcia contarán también con artistas locales como Los Marañones y Joaquín Talismán. Todas las entradas están a la venta en el portal de venta de entradas murciano y sus más de 40 puntos físicos repartidos por toda la provincia.

Sonidos Fortaleza forma parte del festival Tendencias Summer Fest, una iniciativa cultural que se pondrá en marcha a lo largo del verano para dinamizar el ocio estival en Lorca. Ofrecerá noches de música de distintos estilos apostando en todo momento por la calidad de sus protagonistas y un escenario único como es la fortaleza medieval. Se trata de uno de los castillos más grandes de España, construido entre los siglos IX y XV, catalogado como Bien de Interés Cultural. Durante el reinado de Alfonso X, fue un punto estratégico durante la Reconquista puesto que servía de frontera entre el reino cristiano de Murcia y el musulmán de Granada.

Para facilitar los accesos se pondrá en marcha un servicio gratuito de autobuses que conectarán La Merced con los accesos al propio Castillo de 20.30 horas a 23.00 horas, hora en la que darán comienzo los conciertos.
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22 jun. 2017

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Oskar Fischinger, pionero de los efectos visuales de las discotecas

«La música no se limita al mundo sonoro, también existe la música visual». Oskar Fischinger, 1951.
Así comienza el doodle que ha dedicado Google a Orkar Fischinger en el 117º aniversario de su nacimiento. Para los que no lo sepan, Fischinger fue un pintor y animador alemán, pero no uno cualquiera. Sus animaciones estaban acompañadas de música y, además, resultaban ser demasiado abstractas para su época, tanto que tuvo que huir de Alemania por miedo a que Hitler lo fusilara. Ya sé lo que vas a decir: "¡Ufff! ¡Arte abstracto! ¿Quién disfruta eso?" Quizás te parezca sorprendente, pero el arte de Fischinger lo vives tú todas las semanas (concretamente los viernes por la noche) y no he visto que hayas protestado por ello. En efecto, se podría decir que Oskar Fischinger es el pionero de los efectos visuales de las discotecas. ¿Que no me crees? Ahora te explicaré por qué.

Tras su exilio de Alemania en 1936, Fischinger se instaló en Hollywood, donde comenzó a filmar sus primeros cortometrajes de animación. Su dominio en el diseño de figuras abstractas y en los efectos especiales hicieron que pronto plasmase en sus vídeos su gran pasión por este arte. Sus creaciones se caracterizaban por capturar movimiento y dramatismo con un simple plano que combinaba colores y diseños abstractos. Los colores y motivos que empleaba estaban cuidadosamente planificados y sincronizados con la música que acompañaba a sus animaciones, tal y como se representa en el nuevo doodle de Google

Visualización abstracta de Windows Media Player. / CC
Ahora viene lo bueno. Esta particular forma de combinar figuras abstractas y música en sincronía para generar un efecto de movimiento no se quedó en el pasado, sino que ha llegado hasta nuestros días. Sin ir muy lejos, todos hemos reproducido alguna vez una canción en nuestro reproductor de Windows Media y hemos visto la variedad de visualizaciones y efectos que aparecen al ritmo de la canción, como vórtices, círculos, olas, etc. Pues a esto se dedicaba Fischinger en su época. ¡Pero espera! Que, aún hay más...

Este efecto de movimiento también es muy característico de un lugar que seguro que habrás visitado al menos una vez en tu vida... Venga, piénsalo bien... ¿Qué lugar de tu ciudad combina efectos visuales de color y música? ¡Exacto! Las discotecas.

Si alguna vez has estado en una discoteca y has alzado la vista si las circunstancias te lo han permitido (no quiero insinuar nada),  habrás podido comprobar que en el techo hay colgada como una bola de espejos que emite rayos de luz de colores que te invitan a bailar. Por supuesto, estas cosas con luces de colores y figuras en movimiento no están puestas porque sí. La primera vez que viste este efecto seguramente pensaste que sólo servían para adornar la pista de baile, pero lamento decirte que esto ya lo hacía Oskar Fischinger en sus más de 50 cortos desde los años 30 para crear tensión y aumentar el pulso del espectador, casi como si quisiese incitarle a bailar. ¡Y qué casualidad! Hoy, tú lo disfrutas bailando, pero te estoy hablando de algo que ya se ponía en práctica desde hace más de 80 años... Ahora, dime: ¿cómo sienta saber que eres tan manejable como alguien de hace 80 años?

Siguiendo con su obra, Fischinger compuso un poema visual basado en "La segunda rapsodia húngara" de Liszt y hasta participó en la realización de una película Disney. Quizás, si hubiese vivido en nuestro siglo, se hubiese forrado con animaciones para discotecas o reproductores de música, pero el escaso amor de su época hacia el arte abstracto apenas le ayudó a darse a conocer. Tras ver frustrados todos sus intentos de difundir su arte en el sector audiovisual, Fischinger se fue dedicando cada vez más exclusivamente a la pintura al óleo. Su obra más notable se titula "Motion Painting No. 1". Échale un ojo mientras escuchas algo de dubstep, ¡pero con cuidado! ¡Que es arte abstracto!


Fuente:
www.oskarfischinger.org
www.imdb.com/name/nm0279202

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21 jun. 2017

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Estudiando los sonidos

Musik und Sprache (música y habla/lenguaje) es un ejemplo de los primeros proyectos experimentales que incluían grabación y posterior síntesis sonora.

Una grabación de una persona pronunciando el título se somete a distintos filtros para acotar los armónicos principales y notas clave de la voz, que luego se reagrupan y se tocan por una orquesta. Esto resulta en una fascinante recreación de la voz humana con instrumentos convencionales. A continuación la orquesta lo repite ligeramente fuera de sincronía, donde se comprueba como desaparece todo rastro de concordancia. En cierto modo, nos hace ver como la voz humana es más que tan sólo armónicos, ya que cambiando el punto en el cual aparecen hace desaparecer por completo la referencia vocal.

Espectrograma. / www.izotope.com
Al parecer, estos nuevos caminos para abrir nuevos frentes en la música contemporánea pronto perdieron su popularidad, en parte debido a presiones artísticas externas, como el auge de otros tipos de música electrónica de carácter más sintético. Nos suenan nombres como Stockhausen, por ejemplo. Estas otras corrientes serían las que más se escucharan o dieran a conocer a partir de entonces. Como concepto, el buscar sonidos para analizarlos y utilizar los resultados no acabaría aquí en absoluto.

La idea del análisis acústico y fonológico siempre ha estado apareciendo en las últimas décadas de música experimental. Ya no solo en el ámbito vocal, sino también en emplear resonancias de una habitación, como en I am sitting in a room; o bien diseñar la música en sí para que sus sonidos resuenen de una manera específica en un auditorio específico, también música que simula sonidos de distintos tipos, como en Horatio Oratorio, del costarricense Federico Reuben, del cual hay algún que otro fragmento por ahí.

La construcción del sonido a partir de sus armónicos en sí no es tarea sencilla si no respetamos los armónicos inherentes a cada instrumento, por ejemplo, que se agregarían a los fundamentales. El hecho de simular sonidos, y en especial aquellos que son muy complejos a la vez que claramente discernibles por el oído humano (tal como sílabas con varias consonantes) parece abrumador. A pesar de ello, se pueden resolver muy buenas aproximaciones y, con ellas, jugar con los recursos que ofrecen. Ya más allá del arte conceptual donde el concepto innovador parece ser que sólo puede alcanzar una obra (pues cualquier otra más adelante pierde el brillo pionero como ingeniosa reflexión), podría acabar siendo una herramienta más de cualquier otra corriente contemporánea. No se observan demasiados casos de esto, la verdad, probablemente debido al significativo esfuerzo que se ha de volcar en producir la música en sí, que para muchos se debería considerar "un fin en sí mismo".

En cualquier caso, es interesante que músicos, melómanos y demás se tomen su tiempo para pensar en la importancia de las primeras piezas con estas ideas innovadoras. Y más allá de su mero aspecto desgarbado, poco cuidado y sin afeitar, las obras como la primera mencionada esconden una trascendente visión artística. Quién se imaginara, en los principios más tempranos de las nuevas tecnologías, el empezar a pensar sobre síntesis de sonidos y análisis de grabaciones a un nivel tan abstracto. Digno de admiración, el resultado creativo nos lleva a una música, ya en el siglo XXI, muy distinta por los nuevos avances tecnológicos y por cambios en la estética musical, pero todavía rica en matices y con un claro enlace a esos primeros pasos que la permitieron aparecer.
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20 jun. 2017

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Tutorial: cómo eliminar la voz de una canción

Muchas veces, sentimos la necesidad de cantar una canción que realmente nos apasiona. Sin embargo, la mayoría de los karaokes que hay en Internet están en un formato midi muy cutre o, simplemente, no son fieles a su base original. Es entonces cuando nos preguntamos cómo eliminar la voz de una canción original. Aunque parece algo sencillo, lamento decepcionaros porque esto es casi imposible de hacer. 

Normalmente, una canción está construida con distintas pistas que contienen un instrumento cada una. Cuando ya se tienen las pistas grabadas al gusto, lo que hace el productor es mezclarlas en un mismo archivo de audio para posteriormente grabarlas en un formato físico. A partir de ese momento, a no ser que tengáis a vuestra disposición las diferentes pistas que conforman una canción, es muy difícil desunir cada una de dicha mezcla. ¡Pero no te preocupes! Aún no está todo perdido. Aunque prácticamente no se puede eliminar la voz de una canción, sí que es posible disimularla en la medida de lo posible, y eso es lo que voy a explicar a continuación.

Antes que nada, para silenciar la voz de una canción necesitaréis usar un programa de edición de sonido. En el mercado existen muchos programas de este tipo, no obstante, en Musiccato recomendamos Audacity, un software libre que puedes descargar gratis desde su página web. Si seguís las siguientes instrucciones forma correcta, en cinco minutos aprenderéis cómo eliminar la voz de una canción con Audacity en tan solo seis pasos.

Pasos para eliminar la voz de una canción:


Paso 1. Lo primero que haremos será abrir el archivo de audio que queremos modificar. Para ello, iremos a la pestaña "Archivo" y haremos clic en "Abrir" (ver imagen 1). Aparecerá una nueva ventana en la que deberás navegar por las carpetas de tu ordenador para buscar el archivo (ver imagen 2), en este caso, "Canción con voz". Cuando lo tengas a mano, haz doble clic sobre el archivo y este se abrirá en el programa (ver imagen 3). La demora de la importación depende de lo pesado que sea el archivo en cuestión.

Imagen 1.
Imagen 2.
Imagen 3.

Paso 2. Una vez tengamos el archivo dentro del programa, aparecerá una pista con un espectro de audio de color azul. Esa es la pista de la canción que, como podéis observar, esta formada por dos canales de audio o, en otras palabras, es una pista en estéreo. Lo que vamos a hacer ahora es dividir esa pista estéreo. Para ello, vamos a la pestaña de dicha pista y seleccionamos la opción "Dividir pista estéreo" (ver imagen 4). Una vez hecho esto, la pista estéreo se nos habrá dividido en dos pistas individuales.

Imagen 4.

Paso 3. El siguiente paso es transformar cada pista individual en una pista mono. Para hacer esto, tenemos que ir al desplegable de cada pista (como en el paso 2) pero esta vez seleccionamos la opción "Mono" (ver Imagen 5). Recuerda hacer este paso en cada pista por separado.


Imagen 5.

Paso 4. Cuando ya tengamos las pistas señaladas como mono, lo que hay que hacer es invertir una de las pistas. Para esto, primero tenemos que seleccionar una de las pistas haciendo clic en la parte derecha de alguna o bien con la herramienta de selección (F1). Verás que está seleccionada cuando la pista se ha oscurecido. Luego, vamos a la pestaña "Efectos" y seleccionamos la opción "Inversión" (ver imagen 6).

Imagen 6.

Paso 5. Una vez invertida la pista, debemos seleccionar ambas pistas. Para ello hay que presionar la tecla Ctrl a la vez que seleccionamos las dos pistas como en el paso 4 (ver Imagen 7). Si las dos pistas se han oscurecido, significa que lo has hecho bien. Una vez seleccionadas las dos pistas, vamos a la pestaña "Pistas" y hacemos escogemos la opción "Mezclar y generar" (ver Imagen 8). Las pistas volverán a mezclarse y a juntarse en una sola (ver Imagen 9).

Imagen 7,
Imagen 8.
Imagen 9.

Paso 6. Para escuchar nuestra base ya acabada, vamos a la pestaña "Archivo" y hacemos clic en "Exportar audio" (ver imagen 10). Nos aparecerá una ventana desde la que podremos renombrar el archivo que hemos modificado, en este caso, "Canción sin voz" (ver imagen 11) y le damos a "guardar". Nos aparecerá otra ventana con los detalles del archivo de audio (ver imagen 12). Aquí puedes rellenar los campos con los datos que tú quieras, como el nombre del artista, el nombre de la pista, título del album, etc. Si no quieres o no tienes tiempo, puedes saltarte este paso haciendo clic en aceptar ya que no es obligatorio hacerlo. Al aceptar, el programa empezará a exportar tu karaoke. ¡Y ya puedes ponerte a cantar!

Imagen 10.
Imagen 11.
Imagen 12.
Imagen 13.

Hasta aquí ha sido la explicación sobre cómo eliminar la voz de una canción. Como habrás podido comprobar, la calidad del audio no es la misma que si hubieses tenido la base original del estudio de grabación del artista. Sin embargo, es un recurso bastante sencillo y rápido para pasar el rato cantando tus canciones favoritas con la familia o los amigos.
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Música con notas llenas de solidaridad

La Asociación de Ayuda Barcelona por Siria organizó un concierto benéfico el pasado 14 de junio para recaudar fondos en favor de los refugiados sirios en Barcelona
Concierto benéfico a favor de los refugiados Sirios en Barcelona. / Mar Borque & Asociados.

En vísperas del Día Mundial de los Refugiados, son muchas las actuaciones que se preparan para recordar a los refugiados de Siria que son bienvenidos y, además, aportar un granito de ayudar para apoyar a las numerosas familias que dejaron atrás su hogar. En Barcelona, este gesto solidario se ha consumado con un acto que tuvo lugar en la sala Luz de Gas y que contó con artistas de distintos estilos musicales pero, sobre todo, enfocados en la música oriental, como Tànit Navarro, Rusó Sala, Joan Navarro o Jaume Freixes.

Este concierto benéfico para apoyar a los refugiados sirios recoge una fusión oriental, músicas y danza del mediterráneo que duró dos horas. Además de actuaciones musicales, también se organizaron espectáculos variados de carácter oriental para recordar al público la causa. Un ejemplo de ello fue la actuación de música turca del cantante y laudista Safi Al Hafez o la muestra de danza árabe que preparó el grupo Danzarabic, de la Escuela de Danza de Barcelona.

El evento fue organizado por la Asociación de Ayuda Barcelona por Siria, un grupo de barceloneses con fuertes vínculos con el pueblo sirio que colaboran para dar un futuro mejor a los emigrantes que vienen de estos países. Una de sus líneas de actuación es la organización de actividades benéficas como este concierto solidario.


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14 jun. 2017

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Lyadov, A. - Kikimora, op. 63



A finales del siglo XIX en Rusia, el grupo de los Cinco, del que ya hemos hablado en algún que otro artículo, seguía marcando la tendencia que seguirían muchos compositores. Al mismo tiempo, otras corrientes de vanguardia, y en especial el modernismo, comenzaban a aparecer, pero esto ocurriría más tarde ya entrado el siglo XX.

En el periodo entre la tradición rusa del grupo de los Cinco y las nuevas tendencias vistas desde Prokofiev hasta Stravinsky, el mejor nexo de unión parece ser en este caso el profesor de Sergei Prokofiev y de Nikolai Myaskovsky, entre otros conocidos compositores. Se trata, pues, de Anatoly Lyadov, nacido en 1855 en el seno de una familia musical de San Petersburgo. Desde que comenzara  a estudiar piano y violín en el conservatorio, se interesaría por la composición, ya que pronto deja sus estudios instrumentales para dedicarse a materias relacionadas con este ámbito.

Seguidor acérrimo de la estética del romanticismo ruso (que algunos señalan que se debería considerar realismo, contrapuesto al romanticismo europeo), fue alumno de Rimsky-Korsakov. De hecho, por falta de asistencia se le obligó a abandonar el curso y no fue hasta dos años más tarde que volvió a incorporarse. En cualquier caso, su estilo es claramente la continuación del de su profesor y los otros integrantes de los Cinco.

Creo que ya hemos mencionado previamente el círculo de Belyayev, pero nunca lo llegamos a explicar con detalle. Se trata del grupo de compositores que continuaron un semejante estilo compositivo ya a finales del siglo XIX. Quizá la figura más conocida sea Alexander Glazunov. Curiosamente, es Lyadov quien impulsa la creación de este grupo. Lyadov, quien conocía a Mikhail Belyayev, un filántropo millonario de la industria maderera rusa, le presentó al joven Alexander Glazunov, cuya música le impresionó tanto que se convirtió en mecenas de un amplio grupo de compositores talentosos con esta estética nacionalista. Belyayev comenzó su propia imprenta de música en Leipzig en la que imprimió copias de música de compositores rusos de los Cinco y de Lyadov de su propio bolsillo, por impulsar la música rusa. Muchos compositores jóvenes acudieron a él para pedir ayuda, y con ayuda de Glazunov y Rimsky-Korsakov seleccionaban a algunos de ellos. Fue este grupo de compositores los que se conocería luego con el nombre del círculo de Belyayev.

El conocido maestro de ballet Sergei Diaghilev le comisionó un ballet a Lyadov, quien o no lo aceptaría o tardó demasiado en comenzar. Un compositor bastante poco conocido por aquel entonces sería quien aceptara la comisión del ballet. Este ballet es "El pájaro de fuego", de Igor Stravinsky.

Volviendo a la obra, Kikimora es, como muchas de las obras sinfónicas de Lyadov, más bien corta. Se trata de un poema sinfónico, basado en la criatura legendaria Kikimora: un espíritu doméstico femenino en la mitología eslava, que una vez en una casa es raro que la abandonara. En ellas, cuidaría de las gallinas y facilitaría las tareas del hogar, siempre y cuando la casa estuviera ordenada, pues de otro modo silbaría, rompería platos y haría ruidos por la noche.

Sobre la composición, Lyadov comenta que Kikimora crece en la montaña junto a un mago, cuyo gato la entretiene con historias exóticas de tiempos pasados, mientras se mece en una cuna de cristal. Tardaría siete años en alcanzar la madurez, con una cabeza del tamaño de un dedal y el cuerpo más delgado que una brizna de hierba.

Fuente:

http://www.webcitation.org/6Tcdtszrf?url=http://www.laphil.com/philpedia/music/kikimora-anatoly-liadov
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