22 jun. 2017

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Oskar Fischinger, pionero de los efectos visuales de las discotecas

«La música no se limita al mundo sonoro, también existe la música visual». Oskar Fischinger, 1951.
Así comienza el doodle que ha dedicado Google a Orkar Fischinger en el 117º aniversario de su nacimiento. Para los que no lo sepan, Fischinger fue un pintor y animador alemán, pero no uno cualquiera. Sus animaciones estaban acompañadas de música y, además, resultaban ser demasiado abstractas para su época, tanto que tuvo que huir de Alemania por miedo a que Hitler lo fusilara. Ya sé lo que vas a decir: "¡Ufff! ¡Arte abstracto! ¿Quién disfruta eso?" Quizás te parezca sorprendente, pero el arte de Fischinger lo vives tú todas las semanas (concretamente los viernes por la noche) y no he visto que hayas protestado por ello. En efecto, se podría decir que Oskar Fischinger es el pionero de los efectos visuales de las discotecas. ¿Que no me crees? Ahora te explicaré por qué.

Tras su exilio de Alemania en 1936, Fischinger se instaló en Hollywood, donde comenzó a filmar sus primeros cortometrajes de animación. Su dominio en el diseño de figuras abstractas y en los efectos especiales hicieron que pronto plasmase en sus vídeos su gran pasión por este arte. Sus creaciones se caracterizaban por capturar movimiento y dramatismo con un simple plano que combinaba colores y diseños abstractos. Los colores y motivos que empleaba estaban cuidadosamente planificados y sincronizados con la música que acompañaba a sus animaciones, tal y como se representa en el nuevo doodle de Google

Visualización abstracta de Windows Media Player. / CC
Ahora viene lo bueno. Esta particular forma de combinar figuras abstractas y música en sincronía para generar un efecto de movimiento no se quedó en el pasado, sino que ha llegado hasta nuestros días. Sin ir muy lejos, todos hemos reproducido alguna vez una canción en nuestro reproductor de Windows Media y hemos visto la variedad de visualizaciones y efectos que aparecen al ritmo de la canción, como vórtices, círculos, olas, etc. Pues a esto se dedicaba Fischinger en su época. ¡Pero espera! Que, aún hay más...

Este efecto de movimiento también es muy característico de un lugar que seguro que habrás visitado al menos una vez en tu vida... Venga, piénsalo bien... ¿Qué lugar de tu ciudad combina efectos visuales de color y música? ¡Exacto! Las discotecas.

Si alguna vez has estado en una discoteca y has alzado la vista si las circunstancias te lo han permitido (no quiero insinuar nada),  habrás podido comprobar que en el techo hay colgada como una bola de espejos que emite rayos de luz de colores que te invitan a bailar. Por supuesto, estas cosas con luces de colores y figuras en movimiento no están puestas porque sí. La primera vez que viste este efecto seguramente pensaste que sólo servían para adornar la pista de baile, pero lamento decirte que esto ya lo hacía Oskar Fischinger en sus más de 50 cortos desde los años 30 para crear tensión y aumentar el pulso del espectador, casi como si quisiese incitarle a bailar. ¡Y qué casualidad! Hoy, tú lo disfrutas bailando, pero te estoy hablando de algo que ya se ponía en práctica desde hace más de 80 años... Ahora, dime: ¿cómo sienta saber que eres tan manejable como alguien de hace 80 años?

Siguiendo con su obra, Fischinger compuso un poema visual basado en "La segunda rapsodia húngara" de Liszt y hasta participó en la realización de una película Disney. Quizás, si hubiese vivido en nuestro siglo, se hubiese forrado con animaciones para discotecas o reproductores de música, pero el escaso amor de su época hacia el arte abstracto apenas le ayudó a darse a conocer. Tras ver frustrados todos sus intentos de difundir su arte en el sector audiovisual, Fischinger se fue dedicando cada vez más exclusivamente a la pintura al óleo. Su obra más notable se titula "Motion Painting No. 1". Échale un ojo mientras escuchas algo de dubstep, ¡pero con cuidado! ¡Que es arte abstracto!


Fuente:
www.oskarfischinger.org
www.imdb.com/name/nm0279202

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21 jun. 2017

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Estudiando los sonidos

Musik und Sprache (música y habla/lenguaje) es un ejemplo de los primeros proyectos experimentales que incluían grabación y posterior síntesis sonora.

Una grabación de una persona pronunciando el título se somete a distintos filtros para acotar los armónicos principales y notas clave de la voz, que luego se reagrupan y se tocan por una orquesta. Esto resulta en una fascinante recreación de la voz humana con instrumentos convencionales. A continuación la orquesta lo repite ligeramente fuera de sincronía, donde se comprueba como desaparece todo rastro de concordancia. En cierto modo, nos hace ver como la voz humana es más que tan sólo armónicos, ya que cambiando el punto en el cual aparecen hace desaparecer por completo la referencia vocal.

Espectrograma. / www.izotope.com
Al parecer, estos nuevos caminos para abrir nuevos frentes en la música contemporánea pronto perdieron su popularidad, en parte debido a presiones artísticas externas, como el auge de otros tipos de música electrónica de carácter más sintético. Nos suenan nombres como Stockhausen, por ejemplo. Estas otras corrientes serían las que más se escucharan o dieran a conocer a partir de entonces. Como concepto, el buscar sonidos para analizarlos y utilizar los resultados no acabaría aquí en absoluto.

La idea del análisis acústico y fonológico siempre ha estado apareciendo en las últimas décadas de música experimental. Ya no solo en el ámbito vocal, sino también en emplear resonancias de una habitación, como en I am sitting in a room; o bien diseñar la música en sí para que sus sonidos resuenen de una manera específica en un auditorio específico, también música que simula sonidos de distintos tipos, como en Horatio Oratorio, del costarricense Federico Reuben, del cual hay algún que otro fragmento por ahí.

La construcción del sonido a partir de sus armónicos en sí no es tarea sencilla si no respetamos los armónicos inherentes a cada instrumento, por ejemplo, que se agregarían a los fundamentales. El hecho de simular sonidos, y en especial aquellos que son muy complejos a la vez que claramente discernibles por el oído humano (tal como sílabas con varias consonantes) parece abrumador. A pesar de ello, se pueden resolver muy buenas aproximaciones y, con ellas, jugar con los recursos que ofrecen. Ya más allá del arte conceptual donde el concepto innovador parece ser que sólo puede alcanzar una obra (pues cualquier otra más adelante pierde el brillo pionero como ingeniosa reflexión), podría acabar siendo una herramienta más de cualquier otra corriente contemporánea. No se observan demasiados casos de esto, la verdad, probablemente debido al significativo esfuerzo que se ha de volcar en producir la música en sí, que para muchos se debería considerar "un fin en sí mismo".

En cualquier caso, es interesante que músicos, melómanos y demás se tomen su tiempo para pensar en la importancia de las primeras piezas con estas ideas innovadoras. Y más allá de su mero aspecto desgarbado, poco cuidado y sin afeitar, las obras como la primera mencionada esconden una trascendente visión artística. Quién se imaginara, en los principios más tempranos de las nuevas tecnologías, el empezar a pensar sobre síntesis de sonidos y análisis de grabaciones a un nivel tan abstracto. Digno de admiración, el resultado creativo nos lleva a una música, ya en el siglo XXI, muy distinta por los nuevos avances tecnológicos y por cambios en la estética musical, pero todavía rica en matices y con un claro enlace a esos primeros pasos que la permitieron aparecer.
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20 jun. 2017

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Tutorial: cómo eliminar la voz de una canción

Muchas veces, sentimos la necesidad de cantar una canción que realmente nos apasiona. Sin embargo, la mayoría de los karaokes que hay en Internet están en un formato midi muy cutre o, simplemente, no son fieles a su base original. Es entonces cuando nos preguntamos cómo eliminar la voz de una canción original. Aunque parece algo sencillo, lamento decepcionaros porque esto es casi imposible de hacer. 

Normalmente, una canción está construida con distintas pistas que contienen un instrumento cada una. Cuando ya se tienen las pistas grabadas al gusto, lo que hace el productor es mezclarlas en un mismo archivo de audio para posteriormente grabarlas en un formato físico. A partir de ese momento, a no ser que tengáis a vuestra disposición las diferentes pistas que conforman una canción, es muy difícil desunir cada una de dicha mezcla. ¡Pero no te preocupes! Aún no está todo perdido. Aunque prácticamente no se puede eliminar la voz de una canción, sí que es posible disimularla en la medida de lo posible, y eso es lo que voy a explicar a continuación.

Antes que nada, para silenciar la voz de una canción necesitaréis usar un programa de edición de sonido. En el mercado existen muchos programas de este tipo, no obstante, en Musiccato recomendamos Audacity, un software libre que puedes descargar gratis desde su página web. Si seguís las siguientes instrucciones forma correcta, en cinco minutos aprenderéis cómo eliminar la voz de una canción con Audacity en tan solo seis pasos.

Pasos para eliminar la voz de una canción:


Paso 1. Lo primero que haremos será abrir el archivo de audio que queremos modificar. Para ello, iremos a la pestaña "Archivo" y haremos clic en "Abrir" (ver imagen 1). Aparecerá una nueva ventana en la que deberás navegar por las carpetas de tu ordenador para buscar el archivo (ver imagen 2), en este caso, "Canción con voz". Cuando lo tengas a mano, haz doble clic sobre el archivo y este se abrirá en el programa (ver imagen 3). La demora de la importación depende de lo pesado que sea el archivo en cuestión.

Imagen 1.
Imagen 2.
Imagen 3.

Paso 2. Una vez tengamos el archivo dentro del programa, aparecerá una pista con un espectro de audio de color azul. Esa es la pista de la canción que, como podéis observar, esta formada por dos canales de audio o, en otras palabras, es una pista en estéreo. Lo que vamos a hacer ahora es dividir esa pista estéreo. Para ello, vamos a la pestaña de dicha pista y seleccionamos la opción "Dividir pista estéreo" (ver imagen 4). Una vez hecho esto, la pista estéreo se nos habrá dividido en dos pistas individuales.

Imagen 4.

Paso 3. El siguiente paso es transformar cada pista individual en una pista mono. Para hacer esto, tenemos que ir al desplegable de cada pista (como en el paso 2) pero esta vez seleccionamos la opción "Mono" (ver Imagen 5). Recuerda hacer este paso en cada pista por separado.


Imagen 5.

Paso 4. Cuando ya tengamos las pistas señaladas como mono, lo que hay que hacer es invertir una de las pistas. Para esto, primero tenemos que seleccionar una de las pistas haciendo clic en la parte derecha de alguna o bien con la herramienta de selección (F1). Verás que está seleccionada cuando la pista se ha oscurecido. Luego, vamos a la pestaña "Efectos" y seleccionamos la opción "Inversión" (ver imagen 6).

Imagen 6.

Paso 5. Una vez invertida la pista, debemos seleccionar ambas pistas. Para ello hay que presionar la tecla Ctrl a la vez que seleccionamos las dos pistas como en el paso 4 (ver Imagen 7). Si las dos pistas se han oscurecido, significa que lo has hecho bien. Una vez seleccionadas las dos pistas, vamos a la pestaña "Pistas" y hacemos escogemos la opción "Mezclar y generar" (ver Imagen 8). Las pistas volverán a mezclarse y a juntarse en una sola (ver Imagen 9).

Imagen 7,
Imagen 8.
Imagen 9.

Paso 6. Para escuchar nuestra base ya acabada, vamos a la pestaña "Archivo" y hacemos clic en "Exportar audio" (ver imagen 10). Nos aparecerá una ventana desde la que podremos renombrar el archivo que hemos modificado, en este caso, "Canción sin voz" (ver imagen 11) y le damos a "guardar". Nos aparecerá otra ventana con los detalles del archivo de audio (ver imagen 12). Aquí puedes rellenar los campos con los datos que tú quieras, como el nombre del artista, el nombre de la pista, título del album, etc. Si no quieres o no tienes tiempo, puedes saltarte este paso haciendo clic en aceptar ya que no es obligatorio hacerlo. Al aceptar, el programa empezará a exportar tu karaoke. ¡Y ya puedes ponerte a cantar!

Imagen 10.
Imagen 11.
Imagen 12.
Imagen 13.

Hasta aquí ha sido la explicación sobre cómo eliminar la voz de una canción. Como habrás podido comprobar, la calidad del audio no es la misma que si hubieses tenido la base original del estudio de grabación del artista. Sin embargo, es un recurso bastante sencillo y rápido para pasar el rato cantando tus canciones favoritas con la familia o los amigos.
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Música con notas llenas de solidaridad

La Asociación de Ayuda Barcelona por Siria organizó un concierto benéfico el pasado 14 de junio para recaudar fondos en favor de los refugiados sirios en Barcelona
Concierto benéfico a favor de los refugiados Sirios en Barcelona. / Mar Borque & Asociados.

En vísperas del Día Mundial de los Refugiados, son muchas las actuaciones que se preparan para recordar a los refugiados de Siria que son bienvenidos y, además, aportar un granito de ayudar para apoyar a las numerosas familias que dejaron atrás su hogar. En Barcelona, este gesto solidario se ha consumado con un acto que tuvo lugar en la sala Luz de Gas y que contó con artistas de distintos estilos musicales pero, sobre todo, enfocados en la música oriental, como Tànit Navarro, Rusó Sala, Joan Navarro o Jaume Freixes.

Este concierto benéfico para apoyar a los refugiados sirios recoge una fusión oriental, músicas y danza del mediterráneo que duró dos horas. Además de actuaciones musicales, también se organizaron espectáculos variados de carácter oriental para recordar al público la causa. Un ejemplo de ello fue la actuación de música turca del cantante y laudista Safi Al Hafez o la muestra de danza árabe que preparó el grupo Danzarabic, de la Escuela de Danza de Barcelona.

El evento fue organizado por la Asociación de Ayuda Barcelona por Siria, un grupo de barceloneses con fuertes vínculos con el pueblo sirio que colaboran para dar un futuro mejor a los emigrantes que vienen de estos países. Una de sus líneas de actuación es la organización de actividades benéficas como este concierto solidario.


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19 jun. 2017

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El Castillo de Lorca se llena de música este verano

Lorca celebra sus fiestas locales en un edificio histórico que acogerá actuaciones de artistas nacionales como Loquillo, Miguel Poveda, Chambao, Muchachito Bombo Infierno y Los Secretos

Castillo de Lorca (Región de Murcia). / CC

El verano viene acompañado de fiestas y conciertos que sólo ocurren en esta época del año. Sin embargo, son pocos los espectáculos que tienen lugar en espacios tan insólitos como una fortaleza de origen medieval. Este año, las fiestas de Lorca se se ubicarán en un enclave único de la Región de Murcia: el castillo de Lorca.

En esta iniciativa llamada Sonidos Fortaleza, pasarán durante el mes de julio algunos de los nombres más destacados y conocidos de la música española: Los Secretos, Loquillo, Chambao, Miguel Poveda y Muchachito Bombo Infierno. Además, estos conciertos de verano en Murcia contarán también con artistas locales como Los Marañones y Joaquín Talismán. Todas las entradas están a la venta en el portal de venta de entradas murciano y sus más de 40 puntos físicos repartidos por toda la provincia.

Sonidos Fortaleza forma parte del festival Tendencias Summer Fest, una iniciativa cultural que se pondrá en marcha a lo largo del verano para dinamizar el ocio estival en Lorca. Ofrecerá noches de música de distintos estilos apostando en todo momento por la calidad de sus protagonistas y un escenario único como es la fortaleza medieval. Se trata de uno de los castillos más grandes de España, construido entre los siglos IX y XV, catalogado como Bien de Interés Cultural. Durante el reinado de Alfonso X, fue un punto estratégico durante la Reconquista puesto que servía de frontera entre el reino cristiano de Murcia y el musulmán de Granada.

Para facilitar los accesos se pondrá en marcha un servicio gratuito de autobuses que conectarán La Merced con los accesos al propio Castillo de 20.30 horas a 23.00 horas, hora en la que darán comienzo los conciertos.
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14 jun. 2017

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Lyadov, A. - Kikimora, op. 63



A finales del siglo XIX en Rusia, el grupo de los Cinco, del que ya hemos hablado en algún que otro artículo, seguía marcando la tendencia que seguirían muchos compositores. Al mismo tiempo, otras corrientes de vanguardia, y en especial el modernismo, comenzaban a aparecer, pero esto ocurriría más tarde ya entrado el siglo XX.

En el periodo entre la tradición rusa del grupo de los Cinco y las nuevas tendencias vistas desde Prokofiev hasta Stravinsky, el mejor nexo de unión parece ser en este caso el profesor de Sergei Prokofiev y de Nikolai Myaskovsky, entre otros conocidos compositores. Se trata, pues, de Anatoly Lyadov, nacido en 1855 en el seno de una familia musical de San Petersburgo. Desde que comenzara  a estudiar piano y violín en el conservatorio, se interesaría por la composición, ya que pronto deja sus estudios instrumentales para dedicarse a materias relacionadas con este ámbito.

Seguidor acérrimo de la estética del romanticismo ruso (que algunos señalan que se debería considerar realismo, contrapuesto al romanticismo europeo), fue alumno de Rimsky-Korsakov. De hecho, por falta de asistencia se le obligó a abandonar el curso y no fue hasta dos años más tarde que volvió a incorporarse. En cualquier caso, su estilo es claramente la continuación del de su profesor y los otros integrantes de los Cinco.

Creo que ya hemos mencionado previamente el círculo de Belyayev, pero nunca lo llegamos a explicar con detalle. Se trata del grupo de compositores que continuaron un semejante estilo compositivo ya a finales del siglo XIX. Quizá la figura más conocida sea Alexander Glazunov. Curiosamente, es Lyadov quien impulsa la creación de este grupo. Lyadov, quien conocía a Mikhail Belyayev, un filántropo millonario de la industria maderera rusa, le presentó al joven Alexander Glazunov, cuya música le impresionó tanto que se convirtió en mecenas de un amplio grupo de compositores talentosos con esta estética nacionalista. Belyayev comenzó su propia imprenta de música en Leipzig en la que imprimió copias de música de compositores rusos de los Cinco y de Lyadov de su propio bolsillo, por impulsar la música rusa. Muchos compositores jóvenes acudieron a él para pedir ayuda, y con ayuda de Glazunov y Rimsky-Korsakov seleccionaban a algunos de ellos. Fue este grupo de compositores los que se conocería luego con el nombre del círculo de Belyayev.

El conocido maestro de ballet Sergei Diaghilev le comisionó un ballet a Lyadov, quien o no lo aceptaría o tardó demasiado en comenzar. Un compositor bastante poco conocido por aquel entonces sería quien aceptara la comisión del ballet. Este ballet es "El pájaro de fuego", de Igor Stravinsky.

Volviendo a la obra, Kikimora es, como muchas de las obras sinfónicas de Lyadov, más bien corta. Se trata de un poema sinfónico, basado en la criatura legendaria Kikimora: un espíritu doméstico femenino en la mitología eslava, que una vez en una casa es raro que la abandonara. En ellas, cuidaría de las gallinas y facilitaría las tareas del hogar, siempre y cuando la casa estuviera ordenada, pues de otro modo silbaría, rompería platos y haría ruidos por la noche.

Sobre la composición, Lyadov comenta que Kikimora crece en la montaña junto a un mago, cuyo gato la entretiene con historias exóticas de tiempos pasados, mientras se mece en una cuna de cristal. Tardaría siete años en alcanzar la madurez, con una cabeza del tamaño de un dedal y el cuerpo más delgado que una brizna de hierba.

Fuente:

http://www.webcitation.org/6Tcdtszrf?url=http://www.laphil.com/philpedia/music/kikimora-anatoly-liadov
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